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Un proyecto de Jose Julián Agudelo Curaduría: Emilio Tarazona Desde el 3 de diciembre 2021 al 29 de enero 2022

De la misma forma en que Roma presume de eterna o Medellín de impermanente, esta exhibición será un continuum en el flujo del hacer y en el deshacer.
Esta exposición no será la misma en ningún momento, así como toda construcción o toda demolición, siempre será otra.
Cada día o cada semana a lo largo de los dos meses que durará la exhibición nacerán nuevas piezas, otras morirán y otras cambiarán. No habrá nada sólido.

Prueba de trabajo del artista DAVID PEÑA es la tercera instancia de exhibición del proyecto Esfera Celeste Invertida, en el que se buscaba acercar conjuntos de información numérica al tacto, asumido como el sentido que precede a los demás. Esta exposición en particular, se ocupa de la tensión entre tacto, visión e información y, a la vez, de la mano como órgano perceptivo, expresivo y de acción material.

Las piezas que componen Prueba de Trabajo ponen la mano, en sus diferentes capacidades, en relación con conjuntos de datos, problemas simples de computación y operaciones de geometría, con el fin de señalar el cuerpo en general y la mano en particular como origen, lastre y límite de procesos de medición, matemáticos e informacionales.

Prueba de Trabajo es una exposición financiada por el Fondo de Apoyo para Profesores Asistentes (FAPA) y el Centro de Investigación y Creación de la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de los Andes (Bogotá-Colombia).

ANA PATRICIA PALACIOS EXPONE EN LONDRES

Amalgama se complace en presentar Traverse, que presenta a 13 artistas mujeres de América Latina, España y Portugal. Curada por Daniela Galán, esta exposición explora cómo la esfera digital ha cambiado la forma en que vemos nuestro cuerpo, la naturaleza y la cultura. Estas artistas respondieron a una convocatoria abierta en 2020 y fueron seleccionadas por un comité de curadores(ras) y especialistas en arte: Phillipa Adams, Oliver Basciano, Sandra Higgins, Kiki Mazzucchelli, Susan McDonald y Jane Soliman.

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Los Padres Ausentes

Desde hace dos décadas, el artista Carlos Castro Arias (Bogotá, 1976) ha sido un observador de los mecanismos profundos, no siempre evidentes, que subyacen en los procesos de construcción de la historia. A través de la parodia, el sarcasmo, la apropiación crítica de las estrategias del llamado “arte culto”, el quiebre de las jerarquías entre disciplinas artísticas, y la subversión de las tradiciones populares y las imágenes históricas, Castro revisa aquellos episodios pasados por alto en el relato historiográfíco tradicional, cuestiona la noción de padre espiritual, las formas como trasvasamos las leyendas en historias oficiales (que a su vez devienen en corsé colectivo) y cómo ese pasado alternativo (subestimado por la historia más canónica) pervive en el presente cotidiano.

Uno de los mecanismos de las poderosas imágenes construidas por Castro es la representación extrañada: presentarnos ciertos personajes en un soporte técnico que la historia del arte ha reservado para otros en función de su clase, raza, origen o género, o utilizando formas expresivas propias de una época o lugar (que asociamos a un escenario específico) para representar personajes de otra época o lugar, llevando nuestra mirada a la sorpresa, al extrañamiento, y en el camino, haciendo evidente el entramado ideológico que se esconde detrás de ciertas imágenes cotidianas pretendidamente asépticas, apolíticas o acríticas.

Este tipo de alteraciones del sentido común es evidente en el proyecto Alma enemiga: un busto de Cristóbal Colón recubierto con chaquiras con diseños inspirados de la cultura Inga del Putumayo, un gesto antropófago de Castro en el que la figura de Colón, el “héroe fundador” de América (manufacturado siguiendo el academicismo decimonónico), es deglutida y expulsada convertida en una suerte de máscara popular amerindia que no oculta su origen mestizo. Castro no sólo quiebra los límites ficticios entre “artesanía” y “arte”, o entre “baja” y “alta” cultura (el artista escapa sagazmente de esta discusión bizantina), sino que cuestiona los mecanismos de representación oficial. Al igual que los Shuar, (grupo indígena de la Amazonía conocido por cortar, reducir y conservar como amuleto la cabeza del enemigo), Castro conserva la cabeza escultórica de Colón y la vuelve un fetiche amerindio que pone el alma del conquistador a su servicio personal: el invasor le entregará su fuerza y poder a la tribu subyugada o al territorio conquistado, y protegerá a su poseedor de los males del mundo. En este implacable desguace de la historia, Castro revisa las formas como monumentalizamos a distintos personajes públicos de Colombia, México o Estados Unidos (el artista actualmente reside en San Diego, USA). Castro “desbarata” la figura de Simón Bolívar, nuestro pater patriae por excelencia, en la escultura Pueblo, en la que literalmente prende fuego a la representación heroica del padre fundador; o en el video El que no vive no sufre, donde unas palomas antropófagas degluten el célebre bronce de Bolívar, de Pietro Tenerani. Castro, así como desbarata viejos monumentos, también crea nuevos al inmortalizar críticamente personajes del cosmos popular, como en Mythstories (2017-2019), una serie en la que incorpora (en lo que parecen tapices medievales con escenas ensoñadas) a Hugo Chávez, Pablo Escobar o Álvaro Uribe.

En 2017, Castro inició su proyecto Juicio Público que es un grupo de pinturas realizadas a partir de imágenes monumentos vandalizados por manifestantes; en esta serie, hace confluir en una misma imagen distintas tradiciones pictóricas a veces contradictorias: puede representar con aerosol y óleo (a la manera de un grafitero) una estatua rayada, pero la representa como un retrato barroco del siglo XVII, con los claroscuros acentuados y las figuras teatralizadas, aunque el fondo de la obra evoque el expresionismo abstracto de los años 50. Una serie de anacronismos cuidadosamente calculados para, en su trasposición, revelarnos los escondrijos ideológicos de la historia y del arte. El artista construye una poética de la imagen vandalizada, revisa críticamente la tradición del retrato y mira quiénes son los sujetos susceptibles de ser representados; cuestiona las costumbres no sólo políticas sino estéticas y le confiere a la pintura un carácter documental de la historia. La imagen vandalizada restituye humanidad al sujeto representado: este no será más un ser idealizado o inmortal, ahora será frágil y vulnerable.

Las palabras “patria” y “patrimonio” tienen la misma raíz etimológica en pater o patris, que significan “padre”: “patria” alude al “país del padre” y “patrimonio” a los bienes que se heredan por vía paterna. Por su parte, “padre de la nación” significa algo así como “el padre del país del padre”. Y esta idea de padre, quizá desde Roma, alude directamente al varón. En medio de esta proliferación de padres espirituales que moldean nuestra vida común, habría que preguntarnos por el lugar de la madre. En su obra Hogar, Castro prende fuego a una lámpara de cristal, que a lo mejor encarna aquella casa burguesa que, a su vez, representa la tradición, la familia y la propiedad. Quizá este fuego purificador sea una invitación a sublimar la casa paterna que todos hemos heredado.

Halim Badawi

Curador

Por su grado de dificultad en el ascenso, el Alto de la Línea ha sido reconocido como uno de los puertos de montaña más importantes a nivel internacional, registrándose como la etapa más exigente en La Vuelta a Colombia”. (Boletín deportivo local).

“Después de la Línea” reúne –por fin en Bogotá–, la obra de Luna Aymara de los Ríos, Gustavo Toro, Andrés Gallo, Ricardo Muñoz Izquierdo, Camilo Barreneche, Mario Alejandro Tobar y Fredy Clavijo; seis artistas de Pereira de quienes hemos recibido noticias: referencias escritas, imágenes, premios, becas, pasantías; de cierto modo, también hemos notado que abren espacio, dirección y sentido –“Líneas de fuga para fundar nuevos mundos” diría G. Deleuze en Mil Mesetas–. Este grupo de artistas desde el comienzo de sus procesos de creación dejó ver la potencia creativa que hoy se comprueba en sus obras, también la apropiación del arte como acto de resistencia.

Los artistas que conforman la muestra, participaron de un proceso que entramó sus propias fortalezas y sensibilidades con la misión noble y compromiso, de instituciones públicas y gestores culturales adscritos e independientes, entre ellos: la Universidad Tecnológica de Pereira a través de sus programas de formación en artes en pregrado y posgrado, el Ministerio de Cultura a través de los Salones Regionales y Nacionales y, a través de los programas de concertación; la gestión en educación del Banco de la Republica, la gestión de la Secretaría de cultura de Pereira, y otras instituciones locales como entre el Museo de Arte de Pereira, el Centro Colombo Americano, la Alianza Colombo Francesa; además, del incansable trabajo de gestores, curadores y artistas locales como: Rosa Ángel, Adriana Arenas y Danaela Arguelles, quienes desde su fina sensibilidad y criterio han asumido con rigor la visibilidad del talento regional.

Después de quince años de maduración, sus procesos escapados del lote y “del mercado de la pirotecnia estético/neoliberal, nos muestran hoy, su ánimo y carácter infranqueable, orientados a testimoniar desde lo esencial de los procesos de creación artística y no se subsumen a dinámicas que en hordas y cardúmenes van dejando impotentes muchos procesos jóvenes. Dinámicas típicas y exóticas en nuestro días y que engrasan la maquinaria naranja con aceite de linaza y enchapan los predios gentrificados con esquirlas y de un “provenir” gaseoso, una promesa de confort “eunuco”. Afortunadamente, veo en las distintas regiones del país –en la mal llamada periferia–, artistas vitales, encarando procesos consistentes, rudos, esencialmente poéticos y de plena disfrutabilidad pública –en el sentido más profundo–, es decir, procesos dados a “un tiempo justo” (el de una comunidad y contexto local atravesado por las tensiones globales), dados a una concreción de sentido; libres de modos de hacer formulados, reglados, prederminados; artistas que viajan a la dimensión de las cosas sin nombre; allí, dónde el artista sufre el estupor de lo innombrable y desde donde funda testigos de la imagen, de eso que se desoculta (la verdad).

Mario Opazo Curador

La movilidad humana en la que las familias toman la decisión o se ven obligadas a abandonar sus viviendas es una enfermedad de nuestra sociedad que se ha venido incrementando en forma alarmante. Emprenden una diáspora de incertidumbre constituyéndose en un síntoma de un problema aún más profundo que nos duele y nos concierne a todos. Y es este dolor que expresa Ana Patricia con el cuerpo de su obra y que presenta en esta muestra. Producir sensibilidad sobre este fenómeno significa activar la conciencia sobre el problema y así movilizar fuerzas hacia la búsqueda de opciones de solución que nos ayuden a liberarnos de este dolor humano.

Es evidente que la proliferación de información ha permitido observarnos y acercarnos unos a otros lo que ha puesto en evidencia la diferencia de oportunidades en que nacen y viven las distintas comunidades y cuando el deterioro de las condiciones económicas o de seguridad se tornan insoportables, se justifica asumir los riesgos y la incertidumbre que implica este salto al vacío.

La solución pasa por proveer las condiciones propicias para la constitución de hogares armoniosos en los que el desarrollo humano y la posibilidad de felicidad sean viables respetando el equilibrio y la sostenibilidad con el entorno. Techo, alimentación, salud y educación pueden llegar a ser suministrados universalmente si nos movemos en la dirección apropiada, si sabemos utilizar los beneficios que la tecnología nos aporta de tal forma que la aprovechemos a nuestro servicio y no a la inversa, pues su utilización inconsciente nos está llevando por caminos inciertos y muy posiblemente catastróficos.

La Declaración Universal de los Derechos Humanos en el seno de las Naciones Unidas – Paz, Dignidad e Igualdad en un planeta sano- llevada a cabo en París en 1948 como ideal común para todos los pueblos y naciones, se dio en un mundo estupefacto, aún humeante tras la guerra. Hoy su logro representa un reto global que implica cambios en el paradigma y los valores que nos han constituido y el presente proyecto plantea una propuesta para reflexionar al respecto. Hoy el dolor humano nos concierne a todos y debe servirnos para orientar nuestro destino, guiados por la razón y la fraternidad para evitar una nueva catástrofe.

queremos invitarlos a que visiten nuestro Viewing Room dentro de la plataforma de ArtNexus

Click para ver: Artnexus- LA galeria

Ciudad de las Aguas es un proyecto adelantado por la Fundación BAC y su gestor principal el artista colombiano Oscar Larrañaga, cuya labor hemos considerado encomiable y queremos destacar puesto que su gestión es ya de por sí una obra de arte. Larrañaga con su fundación BAC ha desarrollado en algo más de 320 colegios, talleres de pintura con jóvenes estudiantes a través de los cuales viene sembrado valores de cambio en las nuevas generaciones en procura de las transformaciones en la sociedad que el mundo requiere cada vez con más urgencia. En cada colegio el artista o un tallerista dirigen la actividad en la que con una intención reflexionante los alumnos producen sus obras para ser exhibidas frente a toda la comunidad académica y se otorgan incentivos a los estudiantes destacados invitándolos a continuar desarrollando sus habilidades expresivas. Mediante este procedimiento se han logrado involucrar a más de 300.000 jóvenes, más de tres millones de espectadores y se han dispuesto más de 30.000 metros cuadrados de área expositiva. Verdaderamente una estrategia de alto impacto que ha llevado no solamente a la toma de conciencia y alternativas de solución sobre los principales problemas que nos aquejan. En la presente muestra se ha realizado una selección de lo más significativo de esta producción acompañada de algunas de las obras que Larrañaga ha producido para inspirar sus alumnos. Como nos lo manifiesta él mismo, no solamente se trata de dejarle un mejor mundo a nuestros hijos, sino de dejarle mejores hijos a nuestro mundo.

VANITAS

MAQUIAMELO

La afección a la que nos hemos visto sometidos, ha traído consigo nuevas formas de encontrarnos, de pensarnos y de existir. Tal vez marque una nueva era de la humanidad en la que nuestra fragilidad, el agotamiento de los recursos, la contaminación y la destrucción de la tierra han irrumpido estrepitosamente en nuestras conciencias e imperceptiblemente una profunda metamorfosis social está teniendo lugar. Nos hemos visto obligados a detenernos a reflexionar sobre lo fundamental en nuestras vidas y la proximidad de la muerte nos evoca la vacuidad y la avidez insensata de gran parte de las ilusiones de las que nos hemos alimentado y por las que competimos.
Como una reacción relativa a la incomodidad que lo invade,Maquiamelo ha encontrado una metáfora con la que expresa este sentimiento en la observación de la vida y la metamorfosis de las mariposas y el impacto que le produjo al descubrir y descifrar la radicalidad de estas transformaciones en las que cada etapa nueva es la negación dramática de la anterior, como una permanente insatisfacción, como una perpetua fuga hacia otra cosa, como una omnipresente ruina de su condición. Y que sea precisamente su acceso al despliegue de sus alas coloridas cuando parecen alcanzar su secreta pretensión, cuando la vida se contrae y les niega la existencia, como si la muerte viniera apresurada a castigar su insolencia debido a esta malsana pretensión de emular a dios por encima del resto de los seres del mundo.Maquiamelo es uno de esos espíritus que se sitúan fuera de los interrogantes convencionales, un instinto producido por una inconformidad que siempre lo ha poseído y que lo ha llevado una categoría de reflexiones, que la misma muerte le parece sin importancia. La condición humana que nos han vendido es una estafa.Somos como dice EMCioran: "Un ángel que perdió sus alas o un mono que extravió su pelo" ... "La vida no es más que .... una caricatura de ese sol interior que nos hace creer ilegítimamente en nuestra excelencia sobre el resto de la materia ”....“ Una pizca de clarividencia nos reduce a nuestra condición primordial: la desnudez; un punto de ironía nos desviste de ese disfraz de esperanzas que nos permite engañarnos ”....“ el poeta es un agente de Destrucción, el virus de la ONU, Una enfermedad disfrazada y El peligro Más tumba, .... ¿Vivir en su Territorio? es Sentir adelgazarse la Sangre, es Soñar Un Paraiso de la anemia, Que La Misma muerte le Parece sin importancia . La Condición Humana que nos han vendido es una estafa.Somos como dice EMCioran: "Un ángel que perdió sus alas o un mono que extravió su pelo" ... "La vida no es más que .... una caricatura de ese sol interior que nos hace creer ilegítimamente en nuestra excelencia sobre el resto de la materia ”....“ Una pizca de clarividencia nos reduce a nuestra condición primordial: la desnudez; un punto de ironía nos desviste de ese disfraz de esperanzas que nos permite engañarnos ”....“ el poeta es un agente de destrucción, un virus, una enfermedad disfrazada y el peligro más grave, .... ¿Vivir en su territorio? Es sentir adelgazarse la sangre, es soñar un paraíso de anemia, que la misma muerte le parece sin importancia. que nos han vendido es una estafa. una enfermedad disfrazada y el peligro más grave, .... ¿Vivir en su territorio?Es sentir adelgazarse la sangre, es soñar un paraíso de anemia, “Una pizca de clarividencia nos reduce a nuestra condición primordial: la desnudez; un punto de ironía nos desviste de ese disfraz de esperanzas que nos permite engañarnos ”....“ el poeta es un agente de destrucción, un virus, una enfermedad disfrazada y el peligro más grave, .... ¿Vivir en su territorio ? Es sentir adelgazarse la sangre, es soñar un paraíso de anemia, “El poeta es un agente de destrucción, un virus, una enfermedad disfrazada y el peligro más grave, .... ¿Vivir en su territorio? Es sentir adelgazarse la sangre, es soñar un paraíso de anemia, “El poeta es un agente de destrucción, un virus, una enfermedad disfrazada y el peligro más grave, .... ¿Vivir en su territorio?Es sentir adelgazarse la sangre, es soñar un paraíso de anemia, Y concluye Cioran:
“El hombre ha acabado en un callejón sin salida. Ha quemado etapas ... para llegar a su fin; animal sin porvenir, se ha hundido en su ideal, se ha perdido en su propio juego. Por haber querido superarse sin cesar, ha quedado fijo; ya no le queda más recurso que recapitular sus locuras, expiarlas y hacer algunas otras ... ”
Tal vez no sea una simple casualidad que en México las mariposas Monarca llegan el día de los muertos ...

* EM Cioran “ Breviario de podredumbre”

ATRACTORES EXTRAÑOS

Julia Bejarano

Leonel Vásquez

Mauricio Bejarano

Curaduría: Ricardo Toledo

Fondo de apoyo al arte Una obra benéfica que impactará positivamente la totalidad del circuito artístico (Galerías – Artistas – Museos) ver aqui

Los Limbos de Edgar Guzmanruiz El artista Édgar Guzmanruiz exhibe en la LA Galería su interés en la relación arte-arquitectura

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Ramos, de la Torre y Castro en Artpace San Antonio

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La historia detrás de ¨Fortuna¨ de Maquiamelo

El testigo (2020). Carlos Castro

En la teología católica el limbo se refiere a un estado o lugar temporal e indefinido de las almas que connota ambivalencia. Un fenómeno parecido ocurre con los modelos arquitectónicos que se consolidan como objetos escultóricos entre el mundo “real” o palpable y, sin embargo, pertenecen al mismo tiempo al mundo de lo imaginado, del deseo, de la utopía y de la ficción.

La exposición Limbos de Guzmanruiz presenta una serie de modelos diversos que buscan mostrar la naturaleza híbrida y fronteriza de estos objetos utilizados ampliamente tanto en arte como en arquitectura. Generalmente al comienzo o durante facetas del proceso creativo de ambas disciplinas aparecen los modelos como abrebocas de resultados finales,

como medios de comunicación, de planeación, diseño y proyección. Pueden funcionar como maquetas conceptuales, técnicas o instrumentos de pre-visualización, convertirse en bocetos volumétricos, arquetipos, fetiches o souvenires, ser prototipos para escenografías de películas y teatro, miniaturas de mundos oníricos o ideales, construirse a escala natural o volverse pop-ups.

Limbos abre un espacio a observar estos objetos con historia propia independientemente de su desarrollo final. La muestra busca contradecir la percepción general de que estas piezas deben esconderse o terminar en la basura por encontrarse en un “estado en proceso” o de atribuirles un carácter exclusivamente representativo. Los modelos transgreden bordes entre lo material y lo ideal, desdibujando fronteras entre el arte y la arquitectura.

La exposición está enmarcada en el proyecto de creación FAPA Crossroads: encuentros entre arte y arquitectura, del profesor Edgar Guzmanruiz. Centro de Investigación y Creación de la Facultad de Artes y Humanidades, Universidad de los Andes.

c o n t i n u o

Las instalaciones de Blanca Botero nos empujan a lo abierto, al lugar donde los sistemas se atan con un hilo plateado, uno fino y consistente; para Henri Bergson: “Un finísimo hilo de plata une a los sistemas entreabiertos, desde el más pequeño conocido en el átomo, al más grande conocido en el sistema solar”, y a eso le llama: duración, tiempo cualidad – que es a su vez –, cambio continuo.

Continuo es el cambio y la duración que somos.

Y así, la artista ve en el polvo las estrellas y en lo contemplado ve su mirada.

Y así, la artista saltando al agua cae en el cielo.

(…) Un hombre que salta al agua salta en sí mismo,
salta en el agua dormida.
“Quiero saltar al agua para caer al cielo”
Neruda, hermano de Tales, hijos de Mileto.
¿Como puedo saltar al agua y caer al cielo?,
siendo en el salto cambio, soy agua y cielo,
humedad de bosques blandos y podridos,
sequedad de arcilla en los hornos,
agrupándome en minerales mientras salto.
Entre lo seco y lo húmedo va Tales de Mileto y Neruda del invierno,
va el hombre que salta y los minerales,
el mundo que flota como un disco en el agua,
como un pañuelo se mantiene ligero,
extendido a sus anchas de náufrago en la superficie,
como los guiños de la risa flotan en el llanto, cambiando incesantemente (…)

Fragmento del poema “Principio Último”

Mario Opazo

Abismo (Abyss)

Mario Opazo

Xon viene de lejos, de un lugar donde las cosas no tienen nombre, allá, cada cosa se nombra sola, con su fuerza. Es un lugar remoto, sin lenguaje; las palabras van errantes, brincan por las praderas y se cuelgan de los árboles, desfilan a veces juntas y sin razón toman sentido, dirección. En esas rutas los sonidos y dibujos – que aún no son palabras – marcan pautas, frecuencias, balbucean y producen estupor.

Xon ha sido desterrado del mundo sin palabras, ni sílabas, ni letras; de esa región de cazadores y guerreros que ríen, lloran, gritan y gimen con tonos dedicados a cada cosa, a cada estado, a un gesto de alabanza, a otro de sacrificio, de contemplación o fatiga.

La antigüedad de esa tierra y su creencia, no separa al cuerpo de uno del cuerpo de todos, ni a estos del bosque, ni del río, ni del mar, ni del cielo; todo es uno que a la vez es todo; de allí viene Xon, de una tierra lejana y profunda cimentada con los restos de un antiguo planeta parecido a la Tierra. Era un lugar de agua y aire, con mares, islas y montañas; también con ríos plagados de peces y campos por los que corrían cuadrúpedos de piel peluda y brillante; tuvo plantas y árboles frutales; frutas dulces, ácidas y amargas; pero nada de eso queda sobre su suelo, ni en el aire, ni en las cuevas subterráneos queda rastro de vida, están vacías de murciélagos y arañas, no hay minerales, ni grisú – ese gas venenoso que abunda en las minas de carbón –, ni respiración, ni asfixia hay en ese mundo. El arte fue un trozo de arcilla cocido.

Fragmento tomado de la novela inédita de Mario Opazo titulada “El tótem dormido”

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En la exposición, Carlos Castro Arias muestra dos de sus más recientes cuerpos de trabajo: El Dolor que Creamos y Mythstories. En ambos se reconoce su estrategia de retomar iconografías y símbolos arraigados en el subconsciente colectivo de la tradición judeo-cristiana, mezclándolos con temas relacionados con la identidad latinoamericana, para llevar al espectador a lugares de cuestionamiento, duda y construcción de nuevos significados.

La sala principal de LA galería estará ocupada por una colección de obras que operan en conjunto como reflexiones y preguntas acerca del cuerpo y la fragmentación que este sufre cuando se somete a la enfermedad y al castigo. Subvirtiendo los neones tradicionales, a la entrada a la galería un OPEN en llamas anuncia un cierto estado de peligrosidad y precariedad de la integridad física al interior de la misma, el fuego abre y cierra esta muestra, uniéndola bajo su calor y violencia. Usando imágenes y técnicas de tradición medieval, una serie de vitrales fraccionados evocan historias conocidas pero dispuestas a ser reconfiguradas, cuerpos entre el dolor y el éxtasis que nos interpelan, consiguiendo sonrisas incómodas. Este lenguaje profundamente occidental se enfrenta a manos, brazos, dedos, piernas… sacados de iconografías y tradiciones mexicanas, donde se combina lo religioso con lo pagano, trayéndonos de vuelta a nuestro contexto, nuestro entramado de relaciones coloniales y concepciones universalistas.

En la segunda sala, la serie de gobelinos titulada “Mythstories” es de nuevo un juego de remix de un lenguaje estético arraigado en Europa y la tradición occidental con una visión de mundo profundamente latinoamericana. El resultado es, en este caso, un conjunto de tapices tremendamente bellos y absolutamente cómicos, que a pesar de ser muy amables con la percepción del espectador, cargan en ellos las historias que cuentan la inocencia y la violencia desaforadas de nuestro pueblo. Estos gobelinos son una síntesis de mitos acerca de hechos que han afectado a Colombia recientemente y que han sido ignorados en el relato histórico; muestra de complejidades emocionales y supersticiosas de un pueblo cuya conciencia y ética colectiva aún está por realizarse.

María Adelaida Sampe

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Partimos de la premisa de que lo difícil hoy en día ya no es hacer imágenes sintéticas, sino todo lo contrario, de la imposibilidad que nos implica pasar un solo día de nuestra existencia sin crear una de ellas. A finales del siglo XX fueron varios los semiólogos y teóricos de la imagen quienes afirmaron cómo nosotros, produciríamos imágenes en un acto tan natural, mundano y cotidiano como cualquiera de nuestras funciones y acciones vitales.
La exposición Ruina Evanescente de los artistas Javier Vanegas, Fernando Bueno y Felipe Camilo nos ofrecen una aguda reflexión sobre el acto del hacer fotográfico en la era del aceleracionismo. En la actual sociedad del rendimiento pareciera que ya no hay cabida para detener la mirada y contemplar en tiempo real las imágenes que constituyen nuestra memoria, cuestionando a su vez la “superficialidad” que conforma el cuerpo matérico de la imagen fotográfica. Se entiende de antemano que toda fotografía implica un anacronismo, no obstante las tres obras que conforman esta muestra enfatizan y cuestionan la temporalidad e irrefutable desaparición de toda huella lumínica, aquello que todavía llamamos “fotografías”.
En la obra Tempus Fugit, Vanegas nos comparte su bitácora de viaje elaborada en los últimos doce años de trayectoria por diferentes cementerios del mundo. El registro fotográfico está conformado por doscientas capturas que reúne las imágenes desvanecidas que posan sobre las lapidas. Lo que evidenciamos en estos retratos ausentes sobre las tumbas es un comportamiento tautológico, ya que el mismo proceso de descomposición y desaparición está sucediendo en el retrato del referente y en el cadáver dentro del féretro. Las imágenes en sí se convierten en memento mori que nos recuerda, no solo el inevitable paso del tiempo, sino también la desaparición misma de cualquier referente. En dialogo paralelo encontramos la obra de Felipe Camilo quien a través de su proyecto Perecívelreflexiona sobre la idea de memoria urbana y el concepto de ruina latente en las construcciones arquitectónicas en la ciudad, este gesto evidencia la polarizada estratificación social que atañe a la población brasilera y que repercute en la imagen de memoria como vestigio. Esta visión se enfatiza por medio del proceso fotográfico de clorofila, revelando de imágenes fotosensibles sobre hojas de plantas naturales. La serie Memorias Vencidas del fotógrafo Fernando Bueno, creada en New York entre 2011 y 2013, parte de la recuperación de rollos vencidos y experimentaciones con varios tipos de cámaras, Olga 6x6, Nikon F3 35mm, Horizon, con lo cual el artista sobrepone distintas capas de imágenes y funde una sola pieza con varios estratos. Todos estos proyectos cuestionan la noción de resiliencia y temporalidad en la imagen fotográfica perenne, paradigma muy pertinente en una época donde priman las espectrales imágenes digitales.

Conversatorio de socialización sobre 'Videoerrante'

La exposición es una muestra colectiva resultado de una investigación que revisa diferentes direcciones de apropiación e intensificación de la imagen movimiento desde procesos experimentales de creación. Su curador, el artista y profesor de video Mario Opazo, ha definido varias rutas de interés, destacando algunos asuntos relevantes en las nuevas poéticas de la imagen movimiento, que dejan ver las tensiones entre diversas gramáticas, entre y a partir del uso de instrumentos alternativos y ampliados; también incluye obras en las que el medio mismo se hace asunto de conocimiento

El peso de la mano es la más reciente exposición individual de David Peña Lopera. Esta muestra hace parte de su proyecto Esfera celeste invertida. En un conjunto de piezas desarrolladas en medios variados, Peña se pregunta sobre las capacidades simultáneas de percepción, expresión y acción de la mano humana y sus posibles relaciones de tensión con la visión y con conjuntos de información.

Deviate / Landscape es una muestra Curada por Carlos Castro Arias y Sarah Trujillo, esta muestra gira en torno a los enfoques contemporáneos de la creación artística que abordan la idea del paisaje como un espacio de construcción y deconstrucción. Los artistas seleccionados utilizan la pintura, el vídeo, la instalación, la fotografía y otros medios para explorar el paisaje como una metáfora del tiempo y la transformación, pero también resaltan los problemas políticos y ambientales contemporáneos

Esta exposición se presenta en colaboración con los embajadores del Consejo de Arte, Diseño y Arte de la Universidad Estatal de San Diego

Mas información

Les compartimos una entevista realizada al artista Mario Opazo, en donde explica su proceso para la creación de uno de los monumentos de la paz que será expuesto frente al edificio de la ONU en Nueva York.

"FILAMENTO"

AIRA HENAO

El filamento es un hilo prolífico tan rígido como flexible; un cuerpo formado de alguna sustancia, delgado, de carácter fibroso y resistente para conectar, sostener y transformar.

La artista Aira Henao se cuestiona sobre si podría existir un filamento para el alma, proponiendo en su obra una sustancia invisible que aglutina vivencias, un hilo para amarrar las heridas y poner fin al lamento.

La artista nos invita a transformar cotidianamente los pensamientos que llevan a la impotencia y conducen a la parálisis mediante el gesto de coser, reflexionando sobre el dolor, la sangre y la sanación.

La muestra reúne la obra escultórica de las series “Del interior del objeto y del afecto”, "La mirada del otro" y de “Agujas”, un cuerpo de obra que destella transparencia y narra historias directas que hacen una punción en nuestros sentimientos. Aira Henao, agranda los detalles en la iconografía alrededor de la mujer, abordando desde la ironía y el humor aspectos sobre la belleza, la violencia, el victimismo, la sensualidad y la autoestima.

Así, "Filamento" propone entornos para zurcir y tensar ideas con actos que implican cautela y amor, momentos de vida donde arreglar y redescubrir se vuelve posible.

JIMENA PEÑA BENNETT Curadora invitada

¿Cuáles son los caminos que conducen a la paz en Colombia? Las propuestas que ocupan estos espacios realizados por Rafael Gomezbarros asumen la función de monumentos que interpelan una memoria aún sumida en el conflicto pero, a pesar de su escala o descomunalidad (ya desplegada o expuesta en versión proyecto), nos hablan también desde la fragilidad y la impermanencia.Como tocadas también por la muerte, son documentos de cultura y de barbarie que no han podido erigirse en un falso triunfalismo sobre una guerra que habría quedado en el pasado.

No obstante, en el país, la espiral de violencias que ha consignado la historia, ha encendido también las fuerzas sociales que claman por su conclusión. Si la memoria no es un lugar que pueda visitarse (como sostenía Paul Ricoeur), estos memoriales son sólo, provisionalmente hablando, lugares. Territorios que el artista nos invita a recorrer y que nos hablan en distinto modo de la posibilidad de cohesión, incluso si se encuentran fuera de todo cálculo (o contabilidad) y despiertan también visiones de emancipación que nos permiten encontrar rutas que parecen a veces desviarnos al interior de imponentes laberintos, ofreciendo modos para confrontar también su salida.

Tomado del portal de la UNIVERSIDAD CENTRAL

"SER AHÍ"

NICOLÁS CÁRDENAS

‘Dasein’ en alemán ‘Ser ahí’ fue la condición encontrada por Martin Heidegger –para muchos el más significativo filósofo del siglo pasado– para repensar lo que significa el ser humano, su esencia, el sentido de su ser, que lanzado (yecto) al mundo, al ahí, se entrega a la búsqueda de su poder ser, en la que encontrándose y comprendiéndose fracasa al estar sometido a la caída por su propia condición efímera. El devenir inhóspito de su ser y la angustia derivada de esta condición lo ha alejado de su esencia. La historia de occidente es la historia del olvido del ser, la existencia impropia en la que el mundo, lo que nos rodea, el tiempo y hasta nosotros mismos, todo se ha convertido en recursos para la producción, la acelerada transformación del ahí que responde a las leyes del capitalismo, la sociedad de consumo y la tecnología.

El habernos constituido también en recurso para instrumentar sus leyes intrínsecas, la tecnología, un ser oculto que surge estresándolo todo, ordenando, demandando y desafiando a su paso los seres que toca, ha desencadenado el uso abusivo e irreflexivo de los recursos de la tierra. Recientemente ésta ha comenzado a dar señales de agotamiento y ruptura de su equilibrio donde la deforestación, desaparición de especies, contaminación, deterioro del medio ambiente, cambio climático, etc. son evidencias de que un nuevo jugador surge amenazante y reclama detenernos ante su ser para que el nuestro se incorpore apropiadamente si queremos sobrevivir. Parece que no somos la cima de la pirámide, los señores de la tierra y esta nos interpela llamándonos a ‘guardar conformidad’ con los demás entes que nos rodean, lo ‘a la mano’, de lo que nos servimos para procurarnos una existencia en equilibrio y armonía con el todo y nuestra propia esencia.

La obra de Nicolás Cárdenas a la que se accede penetrando sobre ella, siendo ahí, dispuesta en una original y sorprendente instalación para ser pisada y observada desde arriba, constituye un llamado a la reflexión, a la comprensión de lo que somos, de nuestra esencia, invitándonos a sentir el ser que podemos ser en el mundo, detenernos frente a la verdad oculta, a aquel fondo que no comparece a simple vista. La obra de arte –en palabras de Heidegger– desoculta entidades ayudándonos a ver lo que esas cosas son en realidad, desoculta la verdad invocando la sensibilidad y la consciencia. La consciencia voca, la vocación es la invocación del ‘uno mismo’ a volver hacia sí mismo, es decir, hacia su más peculiar ‘poder ser’*, es decir el hombre entendido como ‘Dasein’.

*Martin Heidegger - El ser y el tiempo

ACUOSA

14 gramos de carbón

“Levantar al mundo. Para lograrlo, hacen falta gestos, hacen falta deseos, hacen falta profundidades.” Georges Didi-Huberman

La lluvia envuelve el paisaje con su ruido blanco. No ve la lluvia, ni el lago que está a unos metros de distancia. Las primeras líneas se asientan en el papel, sus bordes se disuelven un poco y después se integran. El tiempo de lo urgente se dilata en contacto con el tiempo del dibujo; ambos se entrelazan y corren.

Una barra de 6 centímetros cúbicos se disemina en 154.000 centímetros de papel, pero ¿Cuánto tiempo duran 14 gr de carbón?

Hay muchas formas de dibujar, innumerables diferencias en cuanto a los medios y técnicas, a las formas y a la expresión. Cada combinación produce un conjuro singular sobre nuestra percepción del tiempo y del espacio. Cada combinación es una constelación de inflexiones en el tono de una “voz” cuyo sonido hiere el tejido del tiempo. 14 Gramos de Carbón ( 2017-2018 ), Graphic Meditation ( 2010 – 2018 ), Fenómenos de porcelana (2018 ) Constelaciones Blancas ( 2018 ) y Repujados de algodón ( 2018 ) son la especie de dibujo que el torrente de un río hace sobre su cauce. Hablan con el sonido sordo y ubicuo de la lluvia que humedecía 14 gramos de carbón en expansión, mientras Camila Eslava dibuja en una lejana tarde de julio.

Sylvia Suárez, septiembre de 2018

En física cuántica, decoherencia es el concepto que nombra el estado cambiante en el que un sistema físico deja de mostrar efectos cuánticos y nos presenta un comportamiento clásico, familiar a la percepción, a la intuición fenomenológica y a los modos en los que la física clásica a gran escala, explica de buena manera el funcionamiento del mundo

Las obras que componen la muestra, contemplan una noción amplia y profunda de máquina, más bien de una cierta mechane (concepto antiguo de mecánica) que se refiere a los fenómenos artificiales, es decir, a los creados por el hombre y que según Aristóteles: “vienen a socorrernos del horror y lo inmutable de la naturaleza”; esos fenómenos artificiales – entre los que se encuentra la leva, la palanca, la polea, la poesía, la tragedia y otros tantos –, “nos producen estupor porque no conocemos su origen, el mismo estupor que producen los fenómenos naturales”, diría el filósofo.

La condición de mechane como acontecimiento iniciático de la obra, es intencional en las piezas de Juan Suarez, sus “obras – máquinas”, quieren abrir espacio a la comprobación del cambio, a ese tiempo cualidad que es propagación de procesos que duran y se transforman; también, quiere abrir espacio a la consciencia que se robustece en la experiencia, acumulando capas de nous (concepto presocrático aplicado a la sustancia más fina y transparente, eso que no es vacío, ni es la nada, que es también inteligencia, mente de la que estamos hechos y realidad). Sus máquinas reclaman el cuerpo como parte de un todo, como sección de una secuencia, como una concatenación de acciones, de alternancia de procesos de potencia en los que se alternan sensaciones, emociones e ideas reguladas por la creencia y la comprobación.

En las obras de Camilo Andres Parra, la mechane se hace manifiesta como estado que precede a la forma, como impulso promotor o ritmo, como premonición del lenguaje; un estadio protolingüístico que anuncia los medios y la técnica. Toda la operación – decididamente experimental –, resulta de procesos maquinales, en los que la mente humana se da a la promoción y captura de relaciones y asocio fraternal de la tecné y la poiesis; también, a la captura de coincidencias, azares, y fomento de relaciones contraintuitivas con las sustancias, con los sistemas y fenómenos físicos; pero ante todo , sus piezas concluyen en marcaciones físicas, escritura o memoria del transcurso, de la duración bergsoniana trazada por el vector finísimo que ata, al sistema más pequeño conocido en el átomo y al más grande explorado en el universo.

Fragmento de texto curatorial de Mario Opazo Cartes

Codec / Codex

Esta exhibición hace un homenaje a las mujeres que han sido pioneras, innovadoras o investigadoras en distintos campos del saber y que en determinados momentos de la historia no se les confirió el reconocimiento que merecían como generadoras de conocimiento. Por esta razón cada artista que interviene en este proyecto de creación, realiza una obra que vincula simbólica o tangencialmente alguno de los aportes que proporcionaron estas mujeres a nuestra civilización, entre ellas encontraremos interlocutoras que produjeron desde la literatura, filosofía, poesía, ingeniería, matemática, biología o la astronomía.

El título de este proyecto señala dos términos, por un lado encontramos Codec,[1] el cual hace alusión a la tecnología de compresión de video y a la programación aplicada para este procedimiento. Lo significativo a enfatizar de esta palabra es su vinculo con la tecnología y la terminología derivada del universo digital, este campo de trabajo suministra métodos de programación en donde el lenguaje matemático disipa las barreras de genero, que en algunos campos profesionales parecen inamovibles. Por su parte Codex[2] refiere a los manuscritos que preservan el conocimiento de siglos anteriores, cuyo contenido estamos descifrando con la asistencia de la ciencia y la aplicación de metodologías de investigación tras-disciplinares; mediante estos procesos podremos comprender conceptos que anteriormente estuvieron ocultos a la luz pública, entre ellos podemos subrayar nuestra aspiración como civilización para establecer un balanceado acceso a la producción de conocimiento, para que subsecuentemente los fenómenos culturales prescindan de cualquier carácter insustancial o tipificación superflua, bien sea por la condición de genero o la inclinación filosófica con la cual nos identifiquemos.

Está claro que muchos grandes avances en la comprensión de la naturaleza humana, se han asociado con la forja de conceptos, esta disposición nos ha permitido hacer mejores preguntas: en física, la diferenciación de peso y masa; en matemáticas, la noción de "tamaño" o número; en economía, la articulación del concepto actual de dinero; en las ciencias sociales el concepto de género, en oposición al sexo.

En cualquier investigación, ya sea científica o práctica, utilizamos conceptos para formular preguntas sobre la realidad. Una manera en que la investigación puede ser fructífera es proporcionando respuestas a las preguntas resultantes. Codec / Codex manifiesta un interés en la creación de conocimiento desde distintas plataformas creativas, con este gesto invitamos a reflexionar acerca de la importancia del capital simbólico, cuya dinámica multivalente pretende establecer nociones que sumen esfuerzos y eviten la división irreflexiva, bien sea acudiendo a conceptos regresivos que inciten a la separación de genero o la implementación de políticas unilaterales-unidimensionales.

Curador: John Ángel Rodríguez

Artistas:

Catalina Moreno
Viviana Cárdenas
Rosell Meseguer
Juliana Gómez Quijano
María Fernanda Plata
Ximena de Valdenebro
Lorena Ortiz
Carolina Villegas
Johanna Arenas

A veces hay que tropezar dos veces con la misma piedra

Andrea Acosta

¿Cuál es nuestra experiencia contemporánea de la naturaleza? ¿Cómo percibir nuestro medio ambiente en la época del antropoceno, es decir, en tiempos en que las actividades humanas alteran al planeta como si fuera una fuerza geológica?

A primera vista, el trabajo de esta exposición recuerda algunas estrategias propias del Enviromental Art - Land Art de fines de los años sesenta. En ese momento se indagaban alternativas para una escultura expandida y una reflexión sobre los contenidos del pensamiento ecológico a partir de intervenciones en terrenos baldíos en los límites de los centros urbanos (Earthworks - Robert Smithson) o del traslado de materiales recolectados en espacios abiertos hacia una galería (Richard Long).

No obstante, Andrea Acosta le suma a estas estrategias un enfoque cercano a las representaciones científicas para concentrarse en su propio entorno. Ella abstrae diversos objetos de su cotidianidad, su “paisaje urbano”, para recomponerlos y reinstalarlos bajo criterios cercanos a la historia natural que recuerdan a la geología, la botánica o la taxonomía. El material encontrado y las fotografías hechas en distintas locaciones como Berlín, Bilbao o Bogotá, se clasifican sistemáticamente bajo criterios de tamaño, textura, color o forma. Asimismo ella ensambla algunos de estos objetos con materiales industriales o elabora dibujos que vinculan tramas y patrones, en una especie de representación metódica de su hábitat. De este modo se construye un entorno híbrido en el que coinciden procesos de “destrucción-naturalización” a la vez que procesos de construcción de sentido y de interpretación.

Como lo sugiere el título de esta exposición, a veces hay que tropezar dos veces con la misma piedra nos plantea una experiencia en dos momentos. El primero se trata de una experiencia histórica, la construcción de sentido de unos objetos encontrados que son clasificados y organizados como lo haría la historia natural tradicional. El segundo se dirige hacia una experiencia “pre-histórica” cuando los objetos refieren a una forma natural original. El ejercicio minucioso de categorización termina revelando un equívoco: lo que parecen ser piedras o conchas recolectadas en alguna playa, son en su mayoría los restos de material de construcción o de cerámica que han sido redondeados por el movimiento del mar. Como si se tratara de un mundo que existió, la sensación es la de estar en un ambiente hecho de pequeñas ruinas, de fragmentos de objetos de producción industrial y de bienes de consumo que han sido dejados a merced de las fuerzas naturales.

Esta exposición cuestiona la permanencia del imaginario de un progreso mítico que identifica al desarrollo tecnológico con la evolución de las especies. De este modo la segunda naturaleza, esa segunda capa surgida de la máquina, se presenta ante nosotros tan natural como las formas pre-históricas en las que no había intervenido la mano propia del hombre. Así la historia natural se convierte en una historia cíclica, mítica, en la que los objetos mismos se convierten en vestigios, residuos y fragmentos de la naturaleza.

Oscar Ardila
Historiador del arte

El artista chileno Mario Opazo ganó el concurso abierto por el Ministerio de Cultura para elaborar el monumento de paz que se hará con el metal de las armas entregadas por las Farc y se instalará en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York, informó este jueves el Presidente Juan Manuel Santos.

Mientras tanto, la colombiana Doris Salcedo elaborará la obra de arte que se ubicará en Bogotá y está por definirse lo referente al monumento que se erigirá en La Habana, donde se llevaron a cabo las negociaciones.

Durante el conversatorio efectuado en Cali para presentar el balance de realizaciones del Ministerio de Cultura, el Jefe del Estado recordó que en el Acuerdo de Paz se pactó que con las armas que entregaran las Farc se harían tres monumentos, uno en Cuba, uno en Nueva York y otro en Bogotá.

“Y quiero cerrar este conversatorio haciendo un anuncio sobre otro gran proyecto de país: la paz”, dijo el Mandatario y precisó que Mario Opazo ganó con la propuesta para la obra ‘Kusikawsay’, que en quechua significa vida apacible y venturosa.

“Felicitaciones a Mario por esta obra tan valiosa. Gracias por apostarle a la paz de Colombia”, expresó.

Explicó que se está definiendo el lugar y las características del monumento a la paz que estará ubicado en Cuba, en tanto que el monumento ubicado en Bogotá “estará a cargo de la talentosa artista colombiana Doris Salcedo”.

“Su obra se llamará ‘Fragmentos’ y se espera que esté lista en agosto de este año”, indicó el Presidente.

En el punto tres del Acuerdo Final del Gobierno con las Farc se dispuso que: parte del armamento dejado por ese grupo se destinará para que un artista o un grupo constituido, realice un monumento que será emplazado en el jardín de esculturas de la sede de la ONU en Nueva York, recordó la Ministra.

Agregó que para ello el Ministerio abrió una convocatoria que cerró el pasado 19 de abril y se estableció un jurado conformado por la artista visual Clemencia Echeverri, el curador y crítico de arte José Ignacio Roca y el director de cine, escritor y poeta Lisandro Duque.

La convocatoria estuvo abierta a artistas colombianos o extranjeros que residan en el país al menos en los últimos cinco años.

En total se recibieron 28 proyectos provenientes de diferentes regiones del país.

La obra de Opazo parte de la apropiación de una canoa indígena, intentando con ello, traer al presente lo antiguo, su sabiduría y simbolismo, traer un elemento que navega por los ríos del territorio colombiano, que en su humildad material es vigente testigo y protagonista del progreso y evocar un viaje a una nueva vida.

Los artistas

Mario Opazo nació en Chile en mayo de 1969, y es profesor de la Universidad Nacional de Colombia y coordinador académico de la Maestría de Artes Plásticas y Visuales.

Es autor del libro ‘El perro estúpido y las fotos que nunca hice’ y de la obra en video ‘Olvido de arena’.

Participó en la 52º Bienal Internacional de Arte de Venecia en el 2007, la X Bienal de la Habana, la II Bienal de Mercosur y este año fue invitado a la Bienal de Monterrey en México.

Por su parte la escultora Doris Salcedo, nacida en Bogotá, estudió Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá y se especializó en la Universidad de Nueva York. Dirigió la Escuela de Artes Plásticas del Instituto de Bellas Artes de Cali.

Fue becaria de la Fundación Guggenheim y su obra se ha expuesto en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), en la galería Tate Modern, de Londres; en el Centro Pompidou de París y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.

En 2016 obtuvo el premio creado por el Nasher Sculpture Center, de Dallas (Texas, EEUU), considerada la distinción más importante del mundo dedicada exclusivamente a la escultura contemporánea.

Fuente;

PROVISIONES

Si el espíritu de esta muestra se condensa en la palabra provisiones es porque algo hay de alimento aquí, así como mucho de reserva y de abastecimiento. El impulso que nos lleva a armar provisiones para la creación nos ha permitido construir un archivo del cual nacen las piezas de esta exposición. Esto ocurre en el marco de la Maestría de Artes Plásticas y Visuales de la que hacemos parte el grupo de artistas que hoy exponemos en LA galería.

Cada pieza aquí exhibida es una pequeña rendija que permite asomarse a nuestras provisiones. Lo que vemos es apenas un fragmento, un indicio de los estados móviles de las ideas y de los procesos que se han venido
desarrollando -como eje de la Maestría- en el trabajo de taller; consideramos que esta exposición puede dar pistas sobre las dinámicas creativas que allí están teniendo lugar.

*Estudiantes y profesores de la novena cohorte de la Maestría de Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia sede Bogotá.

La exposición “Cosmos”, da cuenta de un modo de relación sensible con el mundo. En donde el proceso de indagar en el material, se configura como una inmersión profunda al misterio, a lo que espera ser develado. G.V

"Creo que existe un encantamiento con ciertos materiales, que por su forma estética y su condición, tocan una fibra del cuerpo y la mente, inquebrantable." C.V

“Los huesos como arquitectura primaria de la vida develan el paso del tiempo, tal vez esta sea la razón por la que nos distanciamos de ellos, con recelo, miedo y asco, pues nos pone en evidencia la fragilidad de la vida, un reloj que inicia el conteo regresivo desde el momento en que la primera célula se divide y se detiene con el último palpitar”. J.A.A

“Golpeo una piedra contra otra y al fracturarse emerge de su núcleo una espiral de cristales cuya luminosidad revela su proceso de formación. La materia es la potencia de la posibilidad pura sensible a la intuición, al tiempo, al azar, a las fuerzas de la naturaleza”. P.A

“Envuelvo, relleno, amaso, acaricio, quemo, selecciono, y no controlo lo que sucede, por eso dejo que las cosas sucedan.” C.M

La materia para mi, es un vehículo, un medio por el cual se movilizan pulsiones e ideas, potencias arquetipales; Cada materia tiene unas cualidades de uso, y unas simbólicas que le han sido atribuidas histórica y culturalmente y que le son propias, intransferibles. Así, el cobre no sólo es ideal para conducir la energía, sino también simbólicamente es el metal que ha sido atribuido a Venus, Afrodita, el cuerpo astral y el concepto ideal de lo femenino. Mi búsqueda apunta siempre hacia el propósito de lograr eventualmente extraer o al menos vislumbrar la luz que habita en la materia. M.Q

Gustavo Villa - Carolina Villegas - Juan Alberto Aguilar - Pilar Aparicio - Catalina Mora - Matias Quintero

TEXTUS RESISTENTIAM
JOHN NOMESQUI

Curaduria: RICARDO ARCOS-PALMA

Es frecuente encontrar hoy obras que aluden al problema ecológico:maticas por allí y por aquí, asuntos sobre la deforestación y la explotación de recursos minerales y naturales, entre otros. Y esto a mi juicio se ha convertido en un verdadero problema pues el arte se convierte en una suerte de anestésico frente a la realidad; Susan Buck-Morss habla de anestésica para referirse a este estado donde el sensurium se adormece frente a la realidad generando un impacto que se traduce en sensibilidad pura y dura; es decir que el arte deviene una suerte de paliativo a placebo frente a una realidad compleja.

Sin embargo obras como la de John Nomesqui, quien se escribe dentro de ese grupo de artistas que yo he denominado Alter Realistas, logran alejarse de ese lugar común del que hablamos, y abre una brecha importante donde el arte recupera su dimensión ética por lo tanto política, en una nueva perspectiva que compartimos con Luis Aristizabal donde el arte vuelve a posar las preguntas fundamentales sobre el equilibrio de los seres vivos y el mundo, entendiendo el mundo como parte de lo viviente.

Textus Resistentiam, reúne una serie de obras que se fundamentan en el problema del consumo, la acumulación, la contaminación y la explotación opuestos estos al reciclaje, el rescate, la revaloración y el inter-cambio de materiales destinados a desaparecer en este mundo exacerbado. Es así que aparecen toneladas de papel que se convierten en hilos que dan consistencia a un tejido: hojas de revistas, fotocopias de libros de historia y teoría de artes, papel periódico, tirillas de facturas de supermercado etc. se transforman luego de un cuidadoso trabajo manual, en hilos que terminan luego una gran tela, en una especie de “hongo” que invade las paredes de la galeria, o simplemente en una nueva forma que completa un tronco talado. Este acto no solo de reciclaje si no de restitución, configura y refigura, nuevas formas que interrogan el rol que juegan estos materiales en nuestra cotidianidad. También encontramos obras formadas con toneladas de semillas de guayaba generando un tapete que muta según el sitio de exhibición insistiendo sobre el problema de las semillas originarias frente a su prohibición por parte de los productores de transgénicos. Quien tenga semillas originarias en el futuro será alguien millonario.

Nomesqui comenzó a hacer visible su trabajo en la Galería Santafe ya hace algunos años (que por cierto tanta falta nos hace), con una pieza escultórica desarrollada esencialmente con papel. Esta pieza está compuesta por una serie de tejidos realizados con hojas de revistas y papel periódico que generalmente van a parar a la basura. Aquí los hilos son conformados por largas tiras de papel que el artista previamente ha enrollado. Luego esas tiras se disponen en un telar y comienza en tejido a desarrollarse. Esta acción lleva a una serie de obras que comienzan a tener una cierta organicidad y se materializan a manera de formas casi naturales como la que se presento el año pasado en la exposición colectiva “Otras naturalezas” en Poliedro Arts, donde estas formas parecían hongos que crecían en los vértices de la sala de exposición o mas recientemente su obra escultórica que se desarrollo a partir de troncos de arboles recolectados en la ciudad que han sido cortados y dejados por ahí. El artista decide “completar” esos troncos como si fuera un “miembro fantasma” con el mismo tejido de papel, restituyendo el material a su origen: la madera. Así se genera un contraste entre lo artificial y natural. La obra “consumo cuidado” se pudo observar en la exposición colectiva “Alrededor” de la sombra curada por Mario Opazo para la cámara de comercio de Bogotá que reunía una seria de artistas alrededor de la obra del artista Ramón Uribe.

Otras de las obras que vale la pena resaltar del artista es la minuciosa recolección de semillas de guayaba que ha venido realizando hace un tiempo. Esta obra se instala a manera de tapiz en el suelo y se ha exhibido en varios espacios donde se realiza labores pedagógicas: en el jardín infantil semillas, donde van sus hijos, en el colegio donde labora el artista como docente y en la universidad Pedagógica donde el artista trabaja en conjunto con el filosofo Germán Vargas Guillén. Este componente pedagógico es muy importante pues insiste sobre un aspecto fuerte en la obra de Nomesqui: la construcción social donde la pedagogía del arte adquiere un valor transcendente. Los estudiantes y participantes pueden intervenir la instalación dibujando con ella, pisando las semillas habiéndose descalzado previamente, tomando las semillas incluso llevándose un puñado de ellas. “el olor de la guayaba” recuerda esa conversación entre Plinio Apuleyo Mendoza y Gabriel Garcia Marquez donde este ultimo deja ver lo que significa la narración de un territorio cultural que es lo nuestro.

Pero no solamente es el referente literario y poético esta la fuerza de esta obra en proceso, sino en el aspecto de convertirse en un señalamiento sobre el frágil equilibrio de la naturaleza donde por ejemplo el mercado de los transgénicos afectan indudablemente el equilibrio natural y el ecosistema. Hoy buena parte del mundo está regulada bajo esta óptica neoliberal y Colombia no escapa a esta tensión económica. De ahí que la propuesta de Nomesqui es contundente pues pretende insistir en que la riqueza a venir está en la acumulación de semillas originarias lo que de hecho está prohibido. Esta obra se exhibió recientemente en una de las salas de la Cámara de Comercio de Bogotá, en la exposición colectiva “Cultivo”. La instalación varia pero en la mayoría de las veces el sonido y la participación de los asistentes es fundamental insistiendo en la presencia de la mano, que de hecho es un elemento clave para entender toda la obra del artista: donde manufactura, artesanía se conjugan de manera potente en el arte contemporáneo.

Su obra es mucho más amplia y la idea no es agotar en este vistazo crítico la aproximación a ella. Pero esta obra en desarrollo insiste sobre la manualidad, el reciclaje el tejido real y simbólico de orden social donde la pregunta por el equilibrio ecológico esta jalonando la producción artística de John Nomesqui, un artista emergente que bien vale la pena seguirle la huella, pues su obra es en verdad prometedora.

Ricardo Arcos-Palma

En el aire, Madrid-Paris, 24 noviembre de 2017

Optimismo es la más reciente exposición de David Peña Lopera. Bajo la premisa de que todos los sentidos son el tacto modificado y reconociendo que esta idea es particularmente inquietante cuando se piensa en la visión, David Peña representa situaciones en las que imagina el tacto extendido en el espacio o la visión en condiciones improbables de distancia nula. A través de dibujo, vídeo y escultura el artista bogotano continúa indagando plásticamente sobre escala y percepción, ideas constantes en su trabajo de los últimos años, para señalar condiciones del razonamiento condicionado por la escala del cuerpo humano.

'LEAK – FUGA'

Mario Opazo

La obra "LEAK- FUGA" del artista de origen chileno Mario Opazo es una elocuente poesía audiovisual en la que el artista acude al montaje cinematográﬁco para lograr lo que Jacques Rancière denominará: Ficción documental, binomio acuñado en sus reﬂexiones sobre cine reunidas en el libro "La fábula Cinematográﬁca". Rancière se reﬁere a la condición de construcción o facto como el verdadero origen de la palabra ﬁcción. Ficción como aquello que "construimos con la realidad almacenada en la memoria": La memoria se construye. Mario Opazo registra en video la acción performativa de correr por distintas geografías y territorios de poblaciones que se resisten a "la ruina social" . Desde hace dos años aproximadamente el artista asume el gesto de correr como acto performativo, acción del sublevarse, produciendo sensaciones de roce o aspiración a la inﬁnitud como acto de resistencia; sin embargo, el video, por tratarse de una escritura es ﬁnita y por ende, nos permite incluir pero también excluir. El montaje cinematográﬁco como procedimiento escritural determina el límite entre lo incluido y lo excluido, entre un adentro y un afuera, nombrando, como bien lo sabemos: lo excluido en lo incluido. Esta potencia del montaje cinematográﬁco Opazo la usa intencionadamente con el ﬁn de: expandir el acto de correr a una dimensión de "afuera" del mundo, una dimensión espacio temporal dilatada en el tiempo de la "ﬁcción", que de cierta manera, es el tiempo de la memoria construida, según Rancière. Los distintos lugares pasan a ser geografías, paisajes desprendidos de rasgos culturales. En los años 70s Gene Youngblood el legendario teórico de medios norteamericano avanzó en su iniciativa de lo que llamó la "secesión cultural", concepto que se reﬁere a un modo de fuga de la cultura como acto de resistencia declaró: "No nos larguemos del país, larguémonos de la cultura". La acción de Opazo se da a la poesía como ritmo, dirección o sentido, frecuencia que guía en este caso a una fuga "hasta el ﬁn del mundo". En ese orden de ideas, la carrera conduce a una dimensión "fuera" de la cultura, el recorrido se da por distintos paisajes incluyendo la ruina.

Mario Opazo

Profesor Universidad Nacional de Colombia

Las obras que conforman la presente muestra comparten y se integran en un mismo concepto que hoy constituye una preocupación muy generalizada sobre las dinámicas que vienen conduciendo nuestro devenir que se torna cada vez más imprevisible, veloz e incierto. Pareciera que nos aproximamos a un abismo en el que lo desconocido es la norma del porvenir ante las grandes controversias ideológicas, la capacidad y fuerza de los medios para construir y transmitir ficciones, mentiras o verdades indistintamente que producen polarización, ideologías extremas e irreflexivas que nos alejan de la concertación para la construcción de un mundo viable y humano.

A este desasosiego expresado en estas obras el grupo de artistas ha querido relacionarlo con la idea del SUFRAGIO, como una premonición de muerte, como un sentido pésame por la desaparición de un ser querido, un documento melancólico por una esperanza perdida, pero al mismo tiempo usado por los violentos para infligir una amenaza, una orden de desalojo o desplazamiento forzado, un sórdido mensaje de ´piérdase o lo desparecemos´. Pero también el SUFRAGIO es un voto, una elección frente a una disyuntiva, es la expresión de una decisión respecto a una propuesta y una promesa de futuro. Cada una de estas piezas constituye una invitación a la reflexión, a la comprensión del origen de las pasiones que nos afligen y nos han inducido a esta incertidumbre.

Hoy más que nunca adquiere sentido y vigencia el pensamiento magistralmente desarrollado en el siglo XVII por Baruch Spinoza. Su Ética construida a través de un riguroso desarrollo lógico, concluye, contrariamente a la acepción tradicional que se fundaba sobre el bien y el mal como imposiciones morales, por una ética sobre la libertad y la servidumbre, conducida por la realización reflexiva del propio Deseo humano que le aporta la felicidad al ser él mismo parte de la naturaleza y su ley que a su vez es Dios. Comenzando el Prefacio de la parte IV que llama De la servidumbre humana o de la Fuerza de los Afectos nos dice: “Yo llamo servidumbre a la impotencia humana para dirigir y reprimir los afectos. Sometido a los afectos el hombre no corresponde a lo que él es en sí mismo, sino a su fortuna y está bajo su poder a tal punto que está a menudo sometido a ella y constreñido que viendo lo mejor, hace lo peor.”

Este proyecto de creación permite establecer una serie de referencias entre las obras que los artistas presentan y el postulado curatorial; en este se señalan algunas de las políticas de intercambio económico que se están gestando al interior de la agenda transaccional del estado colombiano; las cuales parecen contradictorias respecto a la forma en que se administran los recursos naturales y las instancias de legislación. El estado aplica una filosofía que emula la concepción de una empresa privada, en donde el beneficio y retorno financiero es la prioridad, ejecutando contratos con multinacionales, en donde los recursos naturales se están negociando en pro de los intereses de patrimonios particulares.

Algunos de los procesos subterráneos que se le ocultan al dominio publico, son el daño colateral al medio ambiente y las implicaciones a largo plazo en la economía interna; las campañas políticas utilizan como lema "el progreso y crecimiento económico" infiriendo que este tipo de acuerdos incentivan el avance tecnológico. El agua es uno de los elementos que esta siendo altamente -sub-valorado- por el estado, cuando se ceden predios o confieren beneficios de exploración para la minería. Estas concesiones operan en una doble dirección, cuando se conceden acciones de empresas publicas a multinacionales, no solo se venden las acciones; los terrenos y predios pasan a ser propiedad de una corporación internacional, la cual puede decidir los precios en el mercado de estos productos. El estado debería regular estos costos en relación a los ingresos de los ciudadanos, esto no sucede y el resultado, es adquirir estos servicios mediante una empresa transnacional privada, por lo tanto obtenemos: agua, energía y gas como otro de los productos que se importan.

Es cierto que el ser humano en la mayoría de las veces realiza acciones que desequilibran lo natural, originando un llamado sistema antrópico, el cual está constituido por una serie de elementos que van de la mano con el desarrollo tecnológico, urbanístico, industrial y cultural de la sociedad.

Riesgo Antrópico reflexiona acerca de las contradicciones y dicotomías del sistema político y el modelo económico que niega las nociones de sostenibilidad, energía renovable y el equilibrio entre distintos ecosistemas.

Eduard Moreno presenta una serie de piezas que pertenecen a un proyecto de observación efectuado en una comunidad suburbana de Bogotá, que esta conformada por distintos grupos demográficos. Una de las piezas que se exhibe "Paz Perpetua", es una reflexión del artista acerca del proceso de explotación de recursos naturales y como estos ocasionan una serie de acumulaciones de materias difíciles de reciclar o reincorporar al ecosistema. Las modificaciones que ocasionan los monocultivos tienen efectos colaterales, por ejemplo esta practica ha reemplazado la dieta de los habitantes. Uno de los impactos más importantes de estas plantaciones es la apropiación de grandes parcelas de tierra, que previo el establecimiento de las mismas, satisfacían las necesidades de supervivencia de las poblaciones rurales.

Juan José García ejecuta piezas sobre laminas de acero, que mediante un detallado modelado realizado sobre el metal, deja la impronta de partes de maquinas (Válvulas y perforadoras) secciones que regulan el suministro de agua y que en una hidroeléctrica generan energía. En esta acción Juan evidencia el riesgo de incorporar modelos económicos de otras naciones, sin hacer una adaptación al contexto colombiano, esta labor no solo es un riesgo ecológico, es también una política desregulada y desequilibrada para el futuro de nuestro territorio.

Hernando Velandía adelanta una investigación que le permite encontrar métodos de construcción escultóricos alternativos e innovadores, que se edifican sobre las bases y el estudio constructivo de la ingeniería. Sus estructuras retan las posibilidades del material y su consistencia. Así sus piezas se convierten en objetos desprovistos de referentes poéticos, aquí el recurso del material llevado al limite de su resistencia es lo que establece un puente de referencia entre el espectador y la presencia escultórica.

Curador: John Ángel Rodríguez

Algebra II: Edgar Guzmanruiz

Fragmentos de una estructura con patrones geométricos son fijados en la parte interior y exterior de la fachada de la iglesia Trinitatis en Bonn. Las formas con la palabra álgebra en caligrafía árabe remiten a la prevención de la representación figurativa del "arte islámico" y están dirigidas a La Meca. La escultura-instalación construye una conexión con la fachada de mosaico en vidrio (Jerusalén celeste de Gerhard y Gisela Dreher) utilizando como referencia formas geométricas de la Cúpula de la Roca en la Jerusalén terrenal a escala natural.

Álgebra proviene de la palabra árabe "al-ǧabr", que significa "unión de piezas rotas". Sólo hasta el Renacimiento llegó este vocablo a los idiomas europeos y formó su actual conexión con las matemáticas. El trabajo también hace referencia a la creciente mezcla cultural de la población actual y al reconocimiento de la identidad como una estructura heterogénea.

Mise-en-Scène Más allá de lo Fotográfico

Cualquier imagen fotográfica puede ser profundamente alterada, algunos de sus elementos ser importados de otras imágenes, realizar retoques digitales o manipulaciones que escenifiquen una aparente realidad. Esta condición ha modificado irreversiblemente el mito de la objetividad fotográfica, permitiendo la emancipación del discurso visual.

Fotográfica Bogotá 2017 reúne en LA Galería una dupla de artistas que expanden el territorio expresivo del medio fotográfico, a través de los ajustes previos o posteriores a la obturación.

La instalación Negación de Ausencia: El Romance del Fragmento e imágenes de las series Reformación: Orogénesis y Drama en Escena de la fotógrafa colombiana Laura Jiménez Galvis son proyectos de teatralización de la imagen, en donde a través de la composición de escenarios con fotografías dobladas se forman elementos rocosos y escenas anodinas y extrañas. Sus obras aluden simultáneamente a la ruptura y la continuidad, al registro de un territorio que funde varias secciones, fragmentos o detalles de objetos pertenecientes a colecciones de arte y museos.

Por su parte la obra de Teun Hocks conjuga diversos lenguajes visuales. El artista holandés construye cada escenario, lo registra en blanco y negro, y una vez revelado agrega pintura de aceite transparente sobre la imagen. En cada autorretrato Hocks personifica un “hombre del común” en situaciones absurdas o surreales, que confrontan al espectador y lo sumergen en una atmósfera que diluye la realidad.

El artista Edgar Gusmanruiz estará presente en la muestra colectiva "Entre los días y las cosas" que se llevara a cabo en la Embajada de Colombia en Berlin.

Eso que habita

Tenemos conciencia del espacio cuando este aparece de cierta forma tergiversado, cuando lo que es habitual ante nuestra mirada, se encuentra perturbado por la acción de algo, de un ser o un objeto, que lo señala y lo resignifica.

Ver mas allá de lo aparente es una tarea que siempre han hecho los artistas, así, las obras de Sonia Rojas y Daniel Escobar, presentan una forma de entender la complejidad de los espacios y su relación con eso que los habita.

“Obra en proceso” de Sonia Rojas, muestra un lugar imposible, poblado por pequeños obreros casi imperceptibles, obreros que repiten una acción eterna. Este microcosmos de tiempo y espacio se esconde y desaparece, pasa casi desapercibido excepto para las personas que se detienen a ver mas allá de lo aparente, para los demás, que pasan con afán, la obra es un paisaje normal, algo como lo que se que se ve desde el vidrio de un auto en movimiento.

Por otra parte, las obras de Daniel Escobar: “Cinéfago “ y “Marimba expandida”, pueden requerir de una participación física y activa del espectador para cobrar un sentido mas profundo y complejo, en esa medida la habitabilidad se construye por la mediación entre la máquina y el humano; mientras el Cinéfago es un robot que busca imágenes para alimentarse, las consume y posteriormente las desecha descomponiéndolas, (subrayando así la angustiosa pregunta del sentido de esas imágenes hoy), la Marimba expandida es un dispositivo narrativo y lúdico, que nos cuenta las historias del mundo que ese objeto habita, nos habla de gente, de tiempos, de geografías.

En algunos momentos de la historia, el arte exalta, en otros denuncia, en ocasiones cuestiona. Cómo vemos el mundo hoy? Lo vemos? Cómo lo afectamos con nuestra presencia? El sentido de estas obras radica en señalar lugares multidimensionales; una pintura existe en una pared, representa un momento congelado, un tiempo y un espacio estáticos; por el contrario las piezas que acá vemos juegan con ese tiempo y espacio, los habitan y en realidad cobran sentido cuando usted los recorre, como la vida.

Carmen Gil Vrolijk.

El artista Carlos Castro Arias inaugurara hoy 8 de febrero en Espacio El Dorado su muestra "El lenguaje de las cosas muertas"

Espacio El Dorado: Cra 5 # 26c - 40

"Herida sin Cuerpo” de Mario Opazo

El título “Herida sin cuerpo” es a la vez una metáfora que nombra a la memoria, se refiere a la marca, la huella, la señal física desprendida del cuerpo o el evento, La memoria emancipada de la historia, fuerza promotora de cambio, despliegue errante que aspira a impactar los cuerpos, al lector.

El libro reúne 187 poemas relativos al vínculo entre memoria, imagen y tiempo. La relación de su autor con la plástica y la cinematografía experimental, le otorgan a su relación con la palabra una cualidad de búsqueda de juego con las formas “gramaticales” y uso del espacio y el tiempo en la escritura que se abren a la experiencia del lector como elementos constitutivos del poema.
En este libro se podría identificar como palabra clave la memoria, pero ésta es entendida por su autor como acumulación “estratigráfica”, que hace ver lo inolvidable del pasado como acumulación en el presente, un presente potenciado hacia el futuro a manera de capas tectónicas sobre las cuales se construye la realidad.

El autor de origen chileno y profesor de la Universidad Nacional de Colombia ha publicado este que es su tercer libro después de “El perro estúpido” y “Máquinas de la duración”.

Tomado de la pag web: http://us12.campaign-archive1.com/?u=650dd50125cb4b360df4a9474&id=2a89013da6

Les compartimos una nota de la obra del artista Carlos Saavedra, quien actualmente expone en LA galería

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ROSTROS Carlos Saavedra

Rostros afectados por la vida, vidas reflejadas en los rostros, rostros testigos de sus pueblos, pueblos que conforman nuestra humanidad, están implícitos en estas miradas con vestigios de dolor de seres purificados por el sufrimiento, cuyas expresiones nos cuestionan sobre la condición humana, la que ha sido fuente de exaltación, admiración y orgullo desde el comienzo de la industrialización y desarrollo tecnológico de los últimos años, pero de la cuál hoy se agotan los motivos para ufanarnos. Estas miradas inquisidoras nos traen a la memoria el pensamiento de Martin Heidegger uno de los más agudos pensadores sobre el concepto ontológico del ser humano, el sentido del ser. Llamó ‘Dasein’ al entendimiento del ‘ser ahí’, ‘ser-en-el-mundo’ significando que los seres humanos se definen esencialmente por la forma como estos existen en el mundo, por la forma como se relacionan con las cosas y su entorno. Un equilibrio con las entidades, el cielo, la tierra, las divinidades y los mortales, constituye las resonancias espirituales mediante las cuales el hombre afianza su identidad.

Carlos Saavedra con su cámara capta, en sus fotografías y videos de mujeres afectadas por conflictos bélicos, el llamado a tomar conciencia que nos expresan estos personajes vulnerables y maltratados por el mundo que hemos producido. Guerras, injusticias, inequidad, desplazamientos forzados, masacres, etc. son algunos de los acontecimientos que forman parte de lo que somos y cómo vivimos. Rostros que revelan su historia, su dolor, la incomprensión y contienen el reclamo, un grito silencioso apelando a un ‘Ya no más’.
La banalidad de los valores perseguidos por los pueblos en procura de su bienestar, contrasta con las consecuencias de su consecución la cuál desata guerras y la lucha insensata e inconsciente por los recursos que conduce a la destrucción de ecosistemas y estructuras, rompiendo un equilibrio que ha requerido de millones de años para su conformación. Estos rostros nos convocan a repensar la forma como deberíamos vivir, en palabras de Heidegger, ‘vidas auténticas’ responsables con lo significativo del mundo, un habitar poético del hombre en el mundo, haciendo de su hogar, su casa, el espacio en el cuál el ser humano pueda recuperar de nuevo su esencia. Y parece que ha llegado el momento pues la tierra se agota y su cuidado se ha convertido en un asunto de supervivencia. Estas miradas amorosas nos interpelan para repensarnos como humanidad, a reconsiderar nuestros valores para librarnos de la catástrofe. La obra sugiere la urgencia de tomar conciencia sobre lo que somos y hacia dónde vamos. La tierra nos amenaza con la expulsión del paraíso, como cuando Adán se comió la manzana, pues nos urge producir una nueva verdad que conduzca a favorecer y posibilitar vidas auténticas en lugar de vidas enajenadas que olvidan el ser y su mundo.

La obra del artista Rafael Gomezbarros ha sido seleccionada como portada del libro Contemporary Art Colombia de la escritora Catherine Petitgas.

Disponible en: https://www.amazon.com/Contemporary-Art-Colombia-Hossein-Amirsadeghi/dp/0500970769

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Carlos Castro estará presente en el Programa de Becas y Comisiones de CIFO Art Space, Miami, (Septiembre 8 - octubre 30, 2016)

LIQUID SENSIBILITIES (SENSIBILIDADES LÍQUIDAS)

Los fluidos se desplazan con facilidad, se escurren, se desbordan, se filtran, tienen la cualidad de disolver los sólidos. Por su movilidad es que a lo líquido se le asocia con lo inconstante, con lo leve, con lo transitorio, con lo volátil. El título de la exposición que reúne las obras de la 14ª edición del Programa de Becas y Comisiones de CIFO, hace una alusión explícita a las reflexiones que, sobre el mundo contemporáneo, Zygmunt Bauman recoge en su conocido libro Modernidad Líquida. Para el sociólogo de origen polaco, vivimos en la era de la instantaneidad. En contraste con los viejos órdenes, más apegados a la idea de perdurabilidad, Bauman emplea la metáfora de la “liquidez” para referirse a la naturaleza de esta nueva fase en la historia de la modernidad.

En ese medio “fluido,” la economía, la política, los medios de comunicación, la trama social adoptan otras reglas (o carecen de reglas pre-fijadas.) El “juego” parece pautado por lo aleatorio, con significativas consecuencias en los sistemas de conducta socio-cultural. La obsolescencia programada, lo descartable, lo inestable y lo fugaz —según Bauman— son algunos de los rasgos de nuestro tiempo; algo conveniente a una nueva elite nómada y extraterritorial, que evita el arraigo y los “largos plazos”.

Cada edición del Programa de Becas y Comisiones funciona también como un estudio diagnóstico de algunos de los temas que ocupan y preocupan a la escena Latinoamericana, saltando a la vista indicadores bien interesantes sobre el panorama de su producción artística y de su pensamiento. Toca en ese punto detectar cómo se conectan las ideas e inquietudes que los artistas colocan, cómo se interrelacionan ciertas problemáticas de fondo, o cómo se vislumbran afinidades conceptuales y sintonías de una visualidad que no es solo aparente. Vistas bajo este prisma, las obras incluidas en esta muestra adquieren profundas y variadas implicaciones.

Sensibilidades Líquidas busca enfatizar el carácter de laboratorio que identifica a este programa, en su apuesta por la investigación y la creación. Al propio tiempo, llama la atención sobre un tipo de visualidad – o de “contravisualidad”—corrosiva, la cual reacciona desde la escurridiza naturaleza de nuestra época. Una exposición de esta índole puede liberarse de apriorismos curatoriales, pues se va armando de hipótesis que nacen de las propias indagaciones de cada artista. Conceptualmente, Sensibilidades Líquidas se inspira en la ductilidad de esos trabajos y en la intervención directa de los artistas en el espacio expositivo. Como site-specific consiguen impregnar el lugar, fluir, contaminar. En las obras afloran, sin embargo, rastros difíciles de diluir: las huellas de una guerra que todavía no concluyó, problemas de frontera territorial no resueltos, cuestiones de género aún no zanjadas, fórmulas alternativas para eludir los sistemas de control. Entre el final de un mundo y el comienzo de otro, siempre nos queda el “casi”, en la plenitud de su conflictividad.

Eugenio Valdés Figueroa

Director y Curador de CIFO

La artista Blanca Botero estará participando en LabVerde, programa de inmersión artística en el Amazonas, desarrollado en la Reserva Forestal Adolpho Ducké (Manaos, Brasil), por Manifesta Arte e Cultura y el Instituto Nacional de Pesquisas da Amaçonia INPA.

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Vestigiun Tectona Grandis es una exposición individual de la artista vallecaucana Milena Arango, producto de la investigación que realizó después de una residencia de arte en el sur de la India en 2014, que la impulsó a explorar la relación entre arte y naturaleza.

“Por supuesto, el diálogo entre naturaleza y cuerpo es evidente o debería serlo, tal como lo plantea Milena Arango en Vestigiun Tectona Grandis, título que hace referencia directa a ese árbol de magnifica madera, que crece en zonas tropicales”, dice el texto introductorio realizado por el curador de arte Ricardo Arcos-Palma.

Las hojas de este árbol son un punto de partida para iniciar un recorrido por una serie donde la naturaleza es protagonista con piezas como Jardines colgantes, realizados con hojas y ramas secas que aluden al problema de la contaminación.

En su obra más reciente, Radiografía Botánicas, las impresiones logradas dan cuenta de su interés por el mundo vegetal, la vida que encierra y sus manifestaciones en los diferentes lugares del país. Este trabajo la ha llevado a armar un archivo vegetal, donde se pueden apreciar formas, estructuras y tintes de las variedades recogidas.

“Varias de sus obras parecen una piel en constante cambio -se lee en otra parte del texto de Arcos-Palma-. Piel que solo cobra vida, cuando la artista recoge con la paciencia de un botánico, cientos de hojas que luego serna el material de esas imágenes que surgen como sellos naturales (…) donde la palabra emerge como a manera de diario de esos recorridos realizados por Milena en varios lugares”.

Sobre la artista

Milena Arango actualmente reside en Bogotá. Egresó del Programa de Artes Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana, en el 2001, con la obra “Los miedos”. En 2007, cuando vivió en Buenos Aires, tomó clases de figura humana en el Museo Nacional de Bellas Artes. Regresó a Colombia en 2010 y en 2011 viajó a Cerdeña, para hacer su primera residencia de arte, basada en performance. En 2014 fue al sur de la India para hacer su segunda residencia de arte.

publicado por la revista semana 2016/09/07

En sus Confesiones Jean-Jacques Rousseau afirmaba con convicción que existía un especie de alianza entre “la madre naturaleza” y el cuerpo humano. Pero para llegar a esta afirmación el ya viejo “ciudadano de Ginebra”, tuvo que rodar falda abajo cuando le salió sorpresivamente un perro a morderlo, en los alrededores de París, en Ménilmontant, mientras paseaba plácidamente, con un libro de botánica en sus manos tratando de leer eso que solo saben leer quienes tienen una sensibilidad a la Natura Naturante como diría Spinoza. Esa caída lo dejó inconsciente por varias horas y al despertarse en casa de unos campesinos que lo habían auxiliado, el filósofo cobró consciencia de su adolorido cuerpo y supo en ese mismo momento que era tan solo cuerpo y que la naturaleza creaba un vínculo somático estrecho.

Por supuesto, el diálogo entre naturaleza y cuerpo es evidente o debería serlo, tal como lo plantea Milena Arangoen su exposición Vestigium Tectona Grandis, título que hace referencia directa a ese árbol de magnifica madera, que crece en zonas tropicales. Las hojas de este árbol sirven de punto de partida para configurar una serie de imágenes que dejan huella mediante una coloración especial propia de la descomposición de las hojas. Esta hojas dejan un vestigio imborrable que parece recomponer una cartografía corporal, donde la naturaleza es ese nuevo territorio somático.

En efecto, varias de sus obras parecen una piel en constante cambio. Piel que solo cobra vida, cuando la artista recoge con la paciencia de un botánico, cientos de hojas que luego sería el material de esas imágenes que surgen como sellos naturales. Esa piel se extiende en la pared de la sala a manera de mosaico, reposa sobre una mesa de centro y en forma de libros, donde la palabra emerge como a manera de diario de esos recorridos realizados por Milena en varios lugares. También se extiende por la sala a manera de una gran tela de sesenta metros que con firmeza dibuja una línea dejando ver una historia, un recorrido para terminar de manera orgánica sobre el suelo, completamente arrugada. Esta especie de metamorfosis la vemos también en otra pieza donde un pedazo de metal, genera una extraña figura con la tela que ha sido oxidada. A esta piezas se suman, unos “jardines colgantes” realizados con hojas y ramas secas, aludiendo al problema de la contaminación. Finalmente cuadros pintados con una técnica que la artista perfeccionó en su retiro espiritual de varios meses en la India, generan un diálogo entre lo orgánico y lo artificial dando consistencia formal y conceptual a la obra que parece retomar esas aventuras botánicas de los viajeros de antaño.

Vestigium Tectona Grandis, es el primer solo show de Milena Arango después de varios años de investigación sobre la frágil relación entre arte y naturaleza, sobre todo donde ahora está de moda, peligrosamente de moda reduciendo todo a poner maticas por aquí y por allá. Por fortuna este no es el caso de la artista quien ha demostrado un dominio técnico muy difícil al momento de exponer ideas complejas como las que hemos evocado aquí. Y como diría el Barón rampante Cosme, no hay mejor compañía que un buen árbol y mejor aún si proyecta una sombra agradable. Bueno que me perdone Ítalo Calvino, ahora dudo que haya sido su personaje quien dijo esto, quizá he sido yo quién se ha inventado semejante cosa.

Ricardo Arcos-Palma

A la sombra de un buen árbol, agosto del 2016

El artista Edgar Guzmanruiz estará hasta el 4 de septiembre mostrando parte de su obra en el MAMBO

El artista Mario opazo estará exhibiendo su trabajo "RESTROSPECTIVA DE MARIO OPAZO" en la 4a Muestra de Video Experimental en medellin

ver evento: http://vartexmedellin.com/v4/home.html#

Desde niños sentimos la necesidad de jugar; sin embargo, pareciera que los juegos actuales hubieran desvirtuado la esencia del juego. Estamos en una sociedad caracterizada por la racionalidad instrumental, por el trabajo y la educación, cuyos cuerpos dóciles no pueden permitirse un juego libre y despreocupado. Aun así, el juego se resiste a ser instrumentalizado y busca la manera de sobrevivir. Cientos de juegos disponibles en la web son muestra de ello. ¿Quién no ha jugado al menos una vez Candy crush desde su Smartphone? Juego virtual que consiste en alinear dulces desde ciertos patrones y niveles de complejidad. Un juego, considerado banal o una pérdida de tiempo, se convierte en el punto de partida de la propuesta plástica de María Isabel Vargas.

El juego es una acción libre, que se desarrolla dentro de un tiempo y espacio determinados. Además, no tiene finalidad alguna, se juega solo por jugar, por imitar, por dejarse llevar por el movimiento; aunque también sirve para actualizar, representar y realizar un acontecimiento cósmico. Por esta razón, se vincula con la esfera de lo sagrado. Dentro de esta esfera, mito y rito van de la mano. El ritual actualiza el acontecimiento sagrado; el mito. Sin embargo, la sociedad contemporánea parece haber olvidado también los rituales ancestrales, en especial, los rituales de paso.

Crush, rituales de inocencia da una vuelta de tuerca a los rituales de paso puesto que el cambio no se da de la infancia a la adultez, sino de esta hacia la infancia. A manera de los pasos de una celebración, la muestra se configura a través de Tribu Candy y La heladería. Un volver al estado de inocencia, a un estado en donde el individuo posee en sí toda su potencia creadora y la capacidad de afirmarse a sí mismo. En esa medida, el juego que propone la artista convierte el espacio de la galería en un lugar que se consagra para unos rituales de paso hacia la inocencia.

Adriana González Navarro
Magíster en Estética e Historia del arte
CURADORA

El artista colombiano Rafael Gomezbarros estará participando en el kunts enfest tival watou 2016 que se llevara a cabo en la ciudad de Poperinge (Bélgica) hasta el 4 de septiembre.

mas información:

www.kunstenfestivalwatou.be

El artista Francisco Klinger Carvalho estará participando en una exposición colectiva en Brasil. Fecha de apertura: del 1 al 31 de julio

EL MUSEO IMAGINARIO Miguel Cárdenas

El arte de la prehistoria existió ligado al quehacer diario, parte quizás de un ritual mágico. Hoy, fuera de su contexto original es un enigma que sin embargo nos conmueve porque representa algo concreto: la conciencia, la existencia misma.
En el museo, el arte crea un mundo paralelo que hace alusión a algo conocido; vemos en los objetos la metamorfosis del arte y el pasado informa el presente. Quizás el arte del futuro sea una combinación infinita de estilos y formas, que destilan la esencia de lo que buscamos encontrar en el objeto: un mundo paralelo, creado por nosotros.
Pienso en “El Museo Imaginario” de André Malraux: un planteamiento sobre la aparición de la institución del museo en occidente, y la definición del valor artístico de los objetos a travez del tiempo. Cuando aparecieron los libros, llenos de fotografías de obras de arte, detalles de obras, formas y texturas fuera de contexto, se creó el museo imaginario : una nueva configuración de obras y estilos desarraigadas de su entorno original.
Que podemos esperar de esta mezcla descontextualizada de objetos, imágenes y formas? Creo que existe una relación primaria entre el observador y el objeto; algo intrínseco a la obra misma, a la comunicación. El valor simbólico del objeto junto con su posibilidad de estimular la imaginación nos conduce quizás a descubrir un mundo conocido que hace alusión a la realidad cotidiana y al enigma de su lógica.
Esta muestra es una combinación de pinturas, esculturas, murales y video. Todas estas formas hacen referencia a la historia del arte, al objeto en el museo que recrea el mundo exterior. El perro, con sus facciones egipcias y su cuerpo modernista, los murales como petroglifos o dibujos en las cavernas, las pinturas que abstraen la forma real y crean un mundo concreto e inventado y el video que muestra la escultura en movimiento como un circo en el estudio. El tema central es quizás una figura humana que lleva de las riendas al animal, el animal que nos conecta con el mundo físico.

MIGUEL CARDENAS MEIRA

El artista Rafael Gomezbarros presentara su proyecto CASA TOMADA en Wanås Konst en la ciudad de Knislinge, (Suecia)

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Painting professor creates art and sculpture from flesh and bone

Cami Buckman, Senior Staff Writer
April 20, 2016

Nestled behind the Hardy Tower and the Professional Studies and Fine Arts building lie the art buildings. In these buildings there is a door camouflaged by a fierce and fiery mural of eyes. Through this door resides the office of the excitingly original and imaginative professor, Carlos Castro Arias.

Originally from Colombia, Arias has dared to provoke shock, awe, curiosity and discussion with his art.

He describes himself as a painter, a sculptor, a videographer and an artist who enjoys trying all mediums.

“A common thing in my work is to use elements that have a history, meaning or some other interpretations,” Arias said.

However, these elements are not for the faint-hearted. For example, after a recent visit to Mexico City, Arias was inspired by the architecture and humanistic qualities. In an attempt to capture the human and personified aspects of the city, he used human fat as a varnish for the painting.

Another notable piece is his creation of musical sculptures crafted with confiscated knives from the city of Bogota, Colombia. Arias even has a piece showcased in his office of a sculpture resembling a bag of popcorn, the kernels made entirely of human teeth.

“There is a lot of meaning in objects that are thrown away, so that inspires me to create new possibilities,” Arias said.

Arias has toured around the world to exhibit his art and continues to showcase his work while being a professor. He has exhibited his art in various places throughout Europe, New Zealand and South America. Even with Arias’ busy schedule, he has an upcoming exhibition planned in Miami this September.

Because of his explorations around the globe, Arias has been able to observe how art differs in various regions. In his pieces, he symbolically re-contextualizes found objects and images of his environment, some of them highly socially and politically charged, to create new narratives.

“Many art pieces in Colombia are related to political conflicts and social commentary,” Arias said. “Here in San Diego, you tend to see things that are a little more relaxed and a little more ‘San Diego.’”

Arias teaches the basic course levels of Painting I and Painting II but provides his students with an advanced set of skills and advice.

“As a professor, Carlos is a passionate teacher with a penchant for seeing each student’s different, hidden potential,” mechanical engineering senior Alex Lee said.

Arias’ students describe his teaching as direct and straightforward, and his criticism is always constructive and detailed. Arias said that he encourages his students to explore and try different things with their art.

“He is someone who doesn’t hold back what he wants his students to learn,” Lee said. “He has us do multiple painting styles such as still life, abstract, landscape and surrealism while encouraging each of us to have our own personal touch.”

Last semester, Arias’ students took part in creating a mural which can now be seen in the library, and this semester his students are making interactive sculptures around campus.

Arias admits that living as an artist can be very challenging, but he encourages his students to have passion for the work they create.

“You need to be your own boss, create your own schedules and have passion to create what you do,” Arias said. “But at the same time, it’s such a huge reward when you get to show your work.”

To succeed in the field of art, it is imperative to be taught by individuals who excel and have redefined the field. Arias is a testament to this ferocity.

“Because of him, I’m no longer nervous about painting,” Lee said.

articulo publicado en the daily aztec

La artista colombiana Adriana Marmorek estará presentando su obra en Nueva York entre el 3 y 7 de mayo de 2016 en la Semana Creativa de la Tecnología (Creative Tech Week). Este evento tendrá lugar en el Clement Center de Lower East Side, Manhattan donde la artista presentará dos conferencias sobre su obra. El martes 3 de mayo a las 7 pm, presentará Penélope, Donde Estarás, Amor? y el viernes 6 de mayo a las 12:30 pm presentará Cuerpo de Deseo, Maquina de Deseo. Su trabajo además será exhibido en el CTW - Centro para las Artes (CTW- Arts Hub) donde ella y otros artistas expondrán sus instalaciones.

La Semana Creativa de la Tecnología es un festival patrocinado por el público y creado para mostrar las iniciativas de investigación de vanguardia en el arte, los medios de comunicación, educativos y comunitarios en este emocionante nuevo campo. También es un lugar que brinda oportunidades para los profesionales de la red y los medios de descubrir nuevas asociaciones.

Durante esta semana se podrán apreciar avances en Realidad Virtual, impresión 3D, maratones de hackers, instalaciones interactivas y mucho más. Esta feria, líder en la innovación a través del mundo empresarial y sin ánimo de lucro, presenta un trabajo innovador en la intersección del arte y la tecnología.

El Clement Center servirá como eje central de la feria, con eventos que tendrán lugar en todo el edificio.

Martes, 3 de mayo * 19:00-22:00

Penélope, Donde Estarás, Amor? es un trabajo que exhibe mensajes enviados en tiempo real de Twitter donde aparece la palabra amor, seleccionados al azar, e impresos sobre una tira de papel que al final es destrozada en el suelo. Tal vez no hay manera más elocuente para demostrar la inutilidad de cualquier esfuerzo dedicado a definir el amor. Al igual que con el amor, la obra de arte es imposible de definir en toda su complejidad. Tanto en el amor como en el arte existen excesos que están más allá del alcance de la lengua.

Viernes, 6 de mayo * 12:30p.m.-12:45p.m.

Cuerpo de Deseo, Maquina de Deseo Con la llegada de los medios de comunicación, la presencia de imágenes sexualmente explícitas se expresa en las áreas de la vida donde antes hubieran sido inconcebibles. Fuera del campo de la sexualidad estrictamente pornográfica aparecen como identidad de marcas, junto con el consumismo derivado por el deseo en un gesto del cuerpo y del placer sin intermediarios. Esas imágenes no reflejan una experiencia real de placer, si no, por el contrario, de una serie de comportamientos, paradigmas y parámetros completamente ficticios. Es justamente el cubrimiento de medios sobre los medios donde el trabajo de Adriana comienza a surgir en lo que ella denomina arquitectura del deseo. Sus trabajos- instalaciones objeto- cuestionan inicialmente la invasiva naturaleza de la imagen de la sexualidad según los medios.

Curador: Paula Silva

Del narcisimo y otros demonios, según Edgar Guzmanruiz

Por Felipe Suáres / ARTERIA

Hasta el 15 de abril Edgar Guzmanruiz da una mirada al narcisismo a través de su exposición 'Narkissos', como producto de la facilidad contemporánea del acceso a dispositivos de comunicación. Según el artista "las relaciones personales se han anulado” debido a la implementación de estos dispositivos.

“Recuerdo una vez que quería pedir comida y el cajero me pidió que lo escribiera en el iPad que estaba al lado de él", dice.

¿Quién no se ha tomado una selfie frente a la playa o en un reencuentro con amigos del colegio?¿Quién se ha puesto a pensar en la cantidad de horas que pasa frente a la pantalla recibiendo rayos ultravioleta e información de diferentes páginas de internet? o ¿quién no identifica el sonido de Skype o ha confundido el sonido de su celular al escuchar el timbre de Whatsapp o Skype? Todas esas facetas las revisa Guzmanruiz por medio de fotografías, arte sonoro, instalaciones y dibujo.

Según Guzmanruiz, para dermatólogos, oftalmólogos y psicólogos la exposición excesiva del cuerpo a los rayos ultravioleta puede producir trastornos como visión borrosa, problemas de concentración, obsesiones, hasta cáncer.

También se produce una extraña enfermedad llamada nomofobia (acrónimo de las sílabas en inglés: no-mobile-phone phobia), una patología que sólo puede existir en el siglo XXI, que hace alusión al miedo producido por perder su celular de vista. Sin embargo, y superando las expectativas de los científicos, la tendencia ya cuenta con una comunidad que afirma ser "nomofóbico" (ver www.nomofobia.com).

El elemento conductor de la exposición se realizó a través de una reflexión que hizo el artista sobre la técnica del claroscuro, estilo barroco que se utilizó del siglo XV al XVIII, utilizado por artistas como Caravaggio o Rembrandt, y que sirvió para ocultar información irrelevante, resaltando rasgos de los protagonistas que aparecían en la pintura.

"Hoy las luces que resplandecen en los restaurantes, aeropuertos y cientos de lugares a los que voy son las de las pantallas, no sólo alumbrando sino llenando de información irrelevante que no se sabe a dónde va a parar", dice el artista.

Ese estilo artístico barroco lo desarrolla en su serie 'Chiaroscuro'. La serie comenzó con un "bodegón contemporáneo" –como el mismo artista lo denominó- fotografiado con luz proveniente de la pantalla de una tableta, que daba un efecto de claroscuro.

A esta serie le siguen retratos iluminados con pantallas de celular, computadores y dispositivos móviles. Cada foto impresa tiene el tamaño del dispositivo con la que fue iluminada cada persona. "La curaduría de la exposición fue pensada como un centro de tecnología, que muestran las piezas para que la gente sienta que está en una centro de tecnología" agrega el artista.

También incluye selfies que fueron transformadas en dibujos, donde se resaltan elementos relevantes por medio de colores "usando la misma técnica del claroscuro", dijo Guzmanruiz. Para la serie, hizo la transferencia de fotografía a dibujo, de la que se considera por algunos unas de las primeras selfies, realizada por el fotógrafo Robert Cornelius, en 1839; también está el fotograma de Telma y Louise, donde los personajes están tomándose un autorretrato con una Polaroid, acompañadas por fotos características de varios perfiles de Facebook.

Le sigue una instalación que representa un lago, por medio de espejos enmarcados, como si fueran pantallas, que tituló Narciso, ubicada en la mitad de la galería, que hace una apología al mito de Narciso y hace que le público pueda interctuar con la obra.

También muestra por medio de videoinstalación Rio-chat la cantidad de información que fluye a través de conversaciones en internet como un río, con sonidos que son producidos por programas y aplicaciones que son usadas a driario en los diferentes dispositivos.

Guzmanruiz explica que a partir de la muerte de Narciso nació en el lago el tipo de flor que lleva su mismo nombre. Además, -aclara el artista- "la palabra en griego narcótico y narcisismo existe una relación que tiene mucho que ver con el hecho de estar perturbado de la misma manera como lo estaba Narciso cuando cayó en la maldición de Némesis, haciendo que se enamorara de sí mismo".

Caridad Botella, quien ha investigado la influencia de los dispositivos móviles y la imagen ayudó a construir el texto curatorial y resaltó que en la instalación, el artista consigue por medio del recurso del espejo "crear algo inmersivo, entre un diálogo con los sonidos del celular, con el que todos convivimos para que el cuerpo se involucre en el espacio". Es enfrentarse también a la ausencia del otro, es un presente sujeto que olvida el entorno por estar sujeto a un dispositivo

Publicado: abril 3 de 2016

periodico Arteria

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Francisco Klinger Carvalho, artista de la casa, esta exponiendo actualmente en LIA Laboratorio, aquí una pequeña muestra de su trabajo.

Muy pronto la obra del artista brasileño Francisco Klinger Carvalho estará en la galería de LIA: El faro del Tiempo.

Klinger Carvalho nació en 1966 en Óbidos, en el estado de Pará en Brasil. Graduado en Educación del Arte por la Universidad Federal de Pará (1997), Belén Brasil; realizó postgrado en Escultura en la Academia de Arte de Düsseldorf (2000), Alemania, con orientación del Prof. Tony Cragg.

mas información en LIA

Édgar Guzmanruiz, un artista en contra de la instantaneidad

por María Alejandra Toro Vesga

Un río de chats. Conversaciones públicas que ‘fluyen’ como si se tratase de agua. Un río virtual que está acompañado por sonidos que nos son familiares: el encendido de un computador, los chats de Facebook o el aviso de una llamada entrante por Skype. Las piezas corresponden a la más reciente exposición del artista bogotano Édgar Guzmanruiz, ‘Narkissos’, que expone en LA Galería.

“La idea nació en un café en Berlín. El lugar estaba lleno, había unas 30 personas pero todo estaba en silencio. La luz era tenue y se veía cómo estaban comunicándose con gente que no estaba ahí”, cuenta el artista, quien vive en Alemania. Esos dos aspectos –la luz y la falta de contacto entre ellos– hicieron que empezara a pensar en cómo la tecnología ha transformado la manera en que interactuamos con los demás.

Así nació ‘Chiaroscuro’ (Claroscuro), que expuso en ese país. Se trató de un trabajo en el que combinó la técnica propia del Renacimiento y el Barroco –en la que el pintor iluminaba y oscurecía ciertas partes de un rostro para dar más dramatismo– y la aplicó a la fotografía. Pero en este caso, la luz no proviene de una fuente natural –velas o lámparas de aceite–, sino de aquella que emanan las tabletas o los computadores.

La reflexión va más allá. La instalación central, hecha a partir de 64 espejos, representa un pozo. El tamaño de cada uno de estos varía y da cuenta de esos artefactos que se han hecho ‘indispensables’ en nuestras vidas. Alude al mito de Narciso, quien se enamoró de sí mismo y se la pasó observándose en el agua hasta que una hoja cayó en esta y deformó su figura. Al darse cuenta de que ya no se ve de la misma forma decide suicidarse. “De ahí nacieron los narcisos”, continúa Guzmanruiz, quien vio que el vocablo griego ‘Narkisso’ significa narciso y también se refiere a narcótico, e hizo la conexión entre esa creciente tendencia de tomarse selfis y que para él, produce un efecto narcotizante. “El pozo es mirarse a uno mismo en sus propias pantallas”, continúa.

Aunque es una reflexión sobre un fenómeno actual, Guzmanruiz incorporó elementos históricos como el claroscuro y las primeras selfis que se conocen. Una de estas es de 1839 y corresponde a una fotografía que tomó Robert Cornelius de sí mismo. Y técnicas manuales, como el dibujo y las fotografías, que le tomaron hasta dos horas.

“Es importante decir no”, señala, a propósito de esa saturación de imágenes e información y de la forma como la tecnología y la obsesión por contarlo todo en las redes sociales, no solo genera enfermedades, sino que nos aleja del presente.

“Todo lo que crea el ser humano tiene un lado maravilloso y otro que no lo es. El problema es cómo estas máquinas están condicionándonos. Necesitamos tiempo para digerir la información y la inmediatez no nos deja hacerlo”, finaliza.

publicación periodico EL TIEMPO 6 de Marzo 2016

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Blanca Botero llega con su trabajo 'Implosiones'

Por: Natalia Díaz Brochet .

Aunque la reflexión del planeta como hogar gravita desde hace tiempos en la cabeza de la artista Blanca Botero, el desastre ecológico que causó el derrame de petróleo al hundirse la plataforma Deepwater Horizon en el Golfo de México en el 2010, la movió a la creación.

Ver los pájaros, tortugas y otros animales cubiertos e inmovilizados por el crudo la hizo interesarse por ese material que sale de la misma tierra, pero puede provocar esos daños irreparables, por cuenta de los seres humanos. “Como un primer ejercicio de entendimiento de ese material decidí usarlo para dibujar, pero no es fácil de conseguir. De casualidad, conocí a una persona que trabajaba en perforación y me regaló una botella doble litro de gaseosa con él.

No fue fácil; para empezar, el olor es terrible, me irritaba los ojos, es tóxico”, comenta esta mujer que abandonó el derecho para expresarse de otra manera.

Pasaban los días y el material no se secaba hasta que descubrió la caseína como aglutinante. “Lo que dibujo con el palo no es lo que queda finalmente porque todo trazo se engorda y sigue transformándose con el paso de los días; así que procuro hacer líneas muy finas”, comenta.

Así surgieron los más de 20 dibujos que conforma la serie Oleoagua, una de las tres partes de 'Implosiones', la exposición que presenta en LA galería. Las otras dos son Selvando y Casatierra.

La primera, está compuesta por unos cojines gigantes pintados con marcador negro indeleble por la artista, en los que dan ganas de botarse con la tranquilidad e intimidad que lo haría uno en su hogar.

“Pinté las selvas que bordeaban la ribera del río cuando iba de niña a los Llanos. Volví hace unos años y está desforestada por los cultivos de arroz. Ya no hay morichales ni garceros. Es una forma de perpetuar esa selva; hacer que de alguna manera exista”, dice.

Finalmente, Casatierra, casitas hechas en vidrio soplado de manera artesanal, son otra manera de recordar el hogar, ese fogón que reúne para compartir, conversar, relacionarse.

“Los tres son reflexiones sobre la presión externa generada por el hombre desde la superficie hacia la tierra misma. Son viajes hacia adentro, búsquedas con sentido crítico de la proyección de algunas acciones y actitudes posibles del hombre frente a su propio hogar”, concluye Botero.

Natalia Díaz Brochet

publicación periodico el tiempo 15 de febrero 2016

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Hace unos años, al recorrer colecciones particulares en Colombia mientras desarrollaba una investigación sobre arte local, una pieza que encontré varias veces llamó mi atención. Se trataba de una hormiga compuesta en fibra de vidrio por dos moldes de cráneos contrapuestos unidos por un empalme que hace de torso, cubierta en una textura de arenas y carbón y patas hechas de ramas secas de arbustos de jazmín que sabía, desde la primera vez que pregunté por ellas, eran piezas de Rafael Gómezbarros. Lo que no supe hasta conocer al artista, era que estos solitarios invasores (por lo general, en los espacios en que las había visto, era una o a lo mucho dos hormigas) formaban parte de una instalación que ha sido emplazada varias veces desde su primera versión en 2008. Con el título de Casa tomada (el mismo del cuento recogido en el Bestiario de Cortázar), desplegadas sobre las fachadas o en espacios interiores, miles de ellas habían sido colocadas como una suerte de plaga nómade que devora los espacios que ocasionalmente irrumpe: una poderosa metáfora, silenciosa e irreversible, capaz de depredar simbólicamente algunos de los monumentos o emblemas que se suponen entre las “cosas estables”. Así, la marabunta se ha emplazado en varios lugares: desde su inicio en el Altar de la Patria en Santa Marta o la Aduana de Barranquilla, a la Galería Alonso Garcés y el Capitolio Nacional; y se ha incluido también en intervenciones internacionales como la Trienal de Caribe en Santo Domingo, la Bienal de La Habana o la Saatchi Gallery en Londres.

Lo que transmiten estas piezas en gran número es una sensación de asedio, como un presagio de que quienes permanecen en un lugar pueden ser removidos y enfrentar forzosamente la vida errante que mueve el paso marcial, aparentemente desordenado, de estas mismas incursiones de víctimas (convertidas así en victimarios). El artista vincula lo itinerante de su propuesta con la idea del viaje, de la migración y el desplazamiento incluso globales: en un momento en que el planeta atraviesa la peor crisis de refugiados desde la Segunda Gran Guerra y se ha reconocido a Colombia como el país con el mayor número de víctimas de desplazamiento forzado interno a nivel mundial (siguiendo un informe de 2012 del IDMC), es claro que el conflicto y la muerte son los principales motores de estos flujos poblacionales. Al comentar una serie anterior, denominada Sonajeros, en 2003 (realizada también con dos moldes de cráneos humanos contrapuestos y unidos con cuerdas y fibra de vidrio a modo de instrumento musical algo macabro), Álvaro Medina señala una suerte de relación orbital, de “muerte versus muerte”, donde las formas “se atraen y rechazan como estrellas gemelas que rotan, interminablemente, la una frente a la otra”. La terrible imagen de un solo cuerpo dominado por una oposición medular o constitutiva está también en sus hormigas: no parece fácil identificar el cráneo que hace de cabeza del que hace de abdomen; cual representación bizarra de la espiral de violencia sin quicio de los últimos decenios. Recordé entonces un pasaje de un libro canónico para la filosofía, donde Arthur Schopenhauer ejemplifica la lucha universal por la dominación ¾que supone una escisión de la voluntad¾ tomando ejemplos del mundo animal: entre los más impactantes (o absurdos), está un insecto conocido por su extrema agresividad, oriundo de Australia: la hormiga-bulldog (Myrmecia), que al ser cortada en dos “(…) se produce enseguida una batalla entre la cabeza y la cola; la primera aferra con sus mandíbulas a la segunda, y esta a su vez se defiende bravamente con su aguijón. Por lo general, la lucha dura cerca de media hora, hasta que ambos contendientes mueren o son separados por otras hormigas.” (mi traducción de El mundo como voluntad y representación, tomada de una edición en italiano de un libro originalmente en alemán).

Pero hasta aquí, comento de una propuesta en instalación de la que he visto piezas, pero ningún emplazamiento, todavía. La exhibición más reciente que Gómezbarros presenta en el Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo en la Quinta de San Pedro Alejandrino —y que simultáneamente se puede ver también en Bogotá, en LA Galería—, ha coincidido en inaugurar, en su versión de Santa Marta (a inicios de octubre de este año), con la reunión realizada en ese mismo lugar entre los titulares de las carteras de defensa de Colombia y Venezuela: uno de los varios encuentros suscitados desde fines de agosto por la crisis fronteriza, en la que centenares de colombianos, en su mayoría despojados y expulsados por la guerra interna, venían siendo deportados del país vecino y obligados violentamente a regresar. En esta, su más reciente exhibición, algunas nociones comunes, entendidas como suelo o terreno fijo, son intencionalmente removidas: bajo el título Desconfío de las cosas estables, el artista reúne piezas en cerámica, cemento y yeso, conformando instalaciones que aluden a una fragilidad o vulnerabilidad constitutivas; un componente acaso dúctil, más humano y voluble, que está en la base de aquellas cosas que suponemos fundantes, sólidas o invariables y que, por ello mismo, no lo son. En dos conjuntos de repisas adosadas al muro, Gómezbarros dispone, para una de estas instalaciones, un número amplio de cráneos humanos hechos en cerámica: en un lado, tanto la estantería como las piezas han sido pintados en negro y del otro, en blanco; aun cuando en ambas plataformas pocas se mantienen enteras o intactas. La mayoría tiene una visible abertura: ya de ranura y corte limpio o en violento tajo que los deforma o aplasta (como si antes de cocerse en el horno la arcilla hubiera recibido un golpe de machete). “Atrapados en un encantamiento de patrones”: el despliegue museográfico, tipo almacén o depósito, nos sugiere, aún si como parodia, cierto rigor de ciencia. Puede pensarse en el gabinete de un antropólogo forense: las osamentas, acaso extraídas de un desorden o ruma anterior, se exhiben dignamente organizadas y colocadas sobre el mueble para cumplir con el mínimo precepto modular que exige un archivo. No obstante, la presencia de las repisas o compartimentos, aun si la tarea es ayudar en el proceso de asignación de identidad a los cadáveres, logra darle una pátina homogénea y rasa a los restos. Una al lado de la otra, esa invariable estructura ósea multiplicada, que articula y sirve de “andamio” para sostener la flacidez de vísceras y tejido muscular del cuerpo restante, (en efecto ocurre así en la memoria civil de los estamentos burocráticos del Estado) parece merecer ante todo un número y acaso, posteriormente, un nombre: en la mirada de la administración pública, la siempre adherente e inclusiva muerte supone diluir las diferencias que suelen imponer distancias inconciliables más frecuentes entre los vivos. No obstante, el concepto de “patrón”, entendido como modelo o molde seriado en una producción, y también como la norma, el mando o autoridad que los protege o defiende, en los que el título hace énfasis, es un comentario sobre esta matriz ósea, en un primer momento desprovista de señas particulares: Gómezbarros usa solo dos cráneos como patrones para generar sus réplicas. Pero también introduce una acepción o uso del término, en su raíz latina, que en la literatura de ficción los hechiceros usan para traer a un guardián o custodio protector (como el “expecto patronum” invocado por Harry Potter para repeler a los Dementores en El prisionero de Azkaban): el vínculo inesperado con un mundo de conjuros, de poderes “sobrenaturales” u “ocultos”, sugiere para el artista el modo de empaque o presentación con el cual se reviste el funcionamiento de una ideología (o falsa conciencia), como si se tratara de un prodigioso acto de magia. Los patrones de pensamiento o de buenos modales como parte del amplio repertorio del “deber ser”: el imperativo categórico que las sociedades ponen en marcha para reproducirse así mismas, condenando fuera de ellas toda forma de incumplimiento o desviación. Varios de los tajos de la estantería negra sostienen óvalos en láminas que se incrustan en los cráneos: algunas con superficies opacas, semi-opacas, translúcidas o reflectantes, insertadas como programas informáticos directamente en el cerebro; mientras en la estantería paralela, de cráneos y repisas en blanco, estas placas son acrílicos translúcidos con colores tomados del modelo CMYK, utilizado para medios industriales de impresión (las diferencias de pigmento son ahora la aplicación de cuatro capas base, en distintas proporciones). En la era de los pixeles, Gómezbarros arma un tinglado que desmantela el teatro multicolor, presentándolo como una variante compleja de esa oposición de estanterías, sin escalas de grises. Otra instalación está compuesta por varios columpios donde las gruesas sogas se amarran a apoyos de cerámica, realizados a partir de moldes que han sido calzados sobre brazos seccionados, colocados como los “asientos de dos o cuatro manos” utilizados en primeros auxilios para sostener y transportar a una víctima, lesionada o enferma, cuando no se cuenta con el equipo o camilla para su mejor y más seguro desplazamiento: diseñados para que dos socorristas trencen sus miembros (ya agarrándose mutuamente de sus antebrazos, cuando usan dos, o cerrando los dedos alrededor de sus propias muñecas, en el caso de usar los cuatro) y trasportar así, sobre esta espontánea silla, articulada con el enlace de sus extremidades, a un/a convaleciente que viaja sentada/o en ellas. En estas versiones huecas, ligeras, dejadas en primera cocción (biscocho) y con rebordes de empalmes de moldura desprolijos, se destaca la fragilidad de un soporte que no podría resistir el peso de un cuerpo sin romperse: un modelo lúdico o paródico cuyo título, “Somos humanos”, hace énfasis en la condición particular de una asistencia precaria o insuficiente, que se mueve en el aire con algo de ironía recreativa y que puede leerse como una versión artificiosa e infantilizada de la simulada asistencia o solidaridad ante la urgencia: en verdad, nos están meciendo. Para LA Galería, el artista añade a la propuesta en sala una ruma de puños igualmente calcados y vaciados en cemento (esta vez con moldes de alginato que permiten una sola copia por matriz), reuniendo así decenas de piezas directamente copiadas sobre modelos vivos. Estos puños son emplazados como un montículo que se apoya sobre una columna: escombros o fragmentos remanentes de lo que podría haber sido una multitud combativa de la cual ha quedado solo el símbolo macizo de la protesta. A diferencia de la anterior, en esta otra instalación, titulada “Pujanza”, no hay artificio. Sin embargo, aun cuando todas estas manos cerradas son como piedras compactas y sólidas, no hay tampoco asomo de gesto triunfalista, sino una suerte de vigor paródico, sostenido con obstinación en medio de la ostensible ruina. El conjunto de propuestas reunidas parece colocado adrede bajo el signo de la sospecha: como si asomara en ellas el proceso de un desencanto medular que toma distancia tanto de la utopía como de la distopía: aun en su impecable despliegue, las obras se desenmarcan de los rieles, casillas o armazones que articulan interiormente la ciega expectativa por las promesas institucionales (que hoy parecen una suerte de industria). El “desencanto”, sin embargo, no tiene aquí relación con el hastío, la decepción o la indiferencia: se trata, precisamente, de “deshacer el hechizo” que cubre un mundo que se despliega ante los ojos como una moldura o como un ideal que el artista supone, en un sofisticado proceso de síntesis, poco más que un artificio de sombras. En su nueva alegoría de la caverna, Gómezbarros lleva a cabo un procedimiento que se acerca al que Karl Marx usaba para explicar cómo los objetos salidos de la línea de ensamblaje de fábrica habían empezado a “comportarse” como mercancías, concentrando una atención sobre ellos (como si adquirieran vida propia, de modo más o menos “mágico”) y haciendo uso de una cierta autonomía con la cual ocultan el proceso mismo de su producción (esto en el primer libro y capítulo de su monumental análisis de El Capital). Un secreto a voces que ha generado la enajenación propia de una sociedad, ya completamente entregada a un consumo escasamente crítico. Sin que el artista suscriba necesariamente las referencias a Schopenhauer o Marx (o a Harry Potter), lo que hay aquí es un ejercicio maestro de representación visual de cosas que normalmente carecen de representación. Un despliegue ingenioso e incisivo donde la des-ilusión y el des-encanto son acciones motivadoramente revolucionarias que materializan en nuevas formas la idea del velo corrido o el registro de la película en backstage: se trata de develar los secretos de una función de prestidigitación, el ardid de un truco muy antiguo varias veces reactualizado. En la instalación “La desilusión de los ancianos”, emplazadas dentro de una sala levemente oscurecida, Gómezbarros coloca de modo más espaciado una serie de manos de yeso unidas en pares, también entrelazadas como una sola pieza. Algunos elementos presentes en otras instalaciones comentadas líneas arriba, se repiten: la propuesta se sostiene sobre una estantería con soportes apuntalados en los muros, como en la primera, pero a diferencia de la instalación “Somos humanos”, aquí la unión de las manos, calcadas en cada caso de una sola persona, se da solo en los pulgares, haciendo que estas tengan contacto en el pliegue articular de las muñecas, permitiéndoles extender las palmas y los demás dedos. Una lámpara con base de prensa, acoplada a la repisas, se articula al lado de cada una de ellas buscando el mejor ángulo para su iluminación. En el momento en que esta muestra abre sus puertas en Bogotá, el mundo parece el escenario menos apropiado para los discursos de paz, mientras en Colombia, estos tienen una presencia estelar: de un tiempo a esta parte, ellos se han convertido en un programa oficial que se dispone a cerrar una etapa de más de medio siglo en conflicto. La “paloma”, como símbolo multiplicado en todas esas proyecciones sobre las paredes, convierten, en parte, ese discurso en un juego infantil sacado de un teatro de sombras, incapaces de levantar vuelo. Tanto las siluetas icónicas como las estructuras que las hacen posibles se destacan en simultáneo, sin plegarse a un discurso en favor de la guerra: como un Dziga Vertov del Siglo 21 (pienso en su obra épica El hombre de la cámara), estas imágenes de Gómezbarros toman distancia del simulacro nacional o, más bien, le permiten a este compartir el protagonismo con el desengaño, bastante vigente entre las/os ciudadanas/os que han sido testigas/os de varios procesos y diálogos de paz, como si se tratara de un único desfile (o un mismo circo). La proeza acaso completamente prodigiosa, fuera de todo embrujo o fraude, es intentar construir, tanto con la ilusión como el des-encanto ¾ambos elementos contrarios y constitutivos de otra ficción que llamamos cuerpo social¾, la Colombia inminente del post-acuerdo.

Emilio Tarazona

Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo, Santa Marta

LA galería tiene el placer de invitarlos a nuestro BOOTH "stand" (C7 ), en la feria de arte contemporáneo PINTA MIAMI (Miami Florida), que se llevara a cabo del 2 al 6 de diciembre del 2015 en la locación: 318 NW 23rd St. Miami FL 33127

Las personas interesadas en asistir al "VIP Preview Opening" inauguración VIP, el Miércoles 2 de diciembre de 5:00pm – 9:00pm, pueden acercarse directamente a LA gelería ubicada en la calle 77 no 12 - 03 local 101 "Bogotá Colombia" Para reclamar las respectivas invitaciones

Los esperamos.

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ÁRBOL DE LÁGRIMAS

El proyecto "Árbol de Lágrimas" busca dar a conocer desde aquí y ahora la historia de la explotación del caucho en la Amazonía y las selvas ecuatoriales africanas, mediante una "constelación de imágenes" dispuestas en un acto de montaje capaz de develar al espectador la tensión dialéctica entre sus rastros materiales del pasado y las emergencias del presente. "Árbol de Lágrimas" es una instalación , formada por dibujos, fotografia, y objetos, que hace énfasis en el montaje y la superposición de imágenes de archivo. El proyecto también comprende la primera muestra en Colombia de las fotos del Álbum de Fotografías, Viaje de la Comisión consular al Rio Putumayo y Afluentes. Encomendado por el cauchero Julio Cesar Arana en respuesta a las denuncias formuladas por Roger Casement entre 1910 y 1912, esas fotografías atestan de toda una estrategia de manipulación de la imagen, de la orquestación de la mentira producida por la Casa Arana. La exposición ha sido posible gracias al apoyo de Tierra Nueva.

Proyecto ganador de una Beca de Creación para Artistas con Trayectoria, Mincultura 2015.

Exposición Abierta del lunes 23 Noviembre a diciembre 20 del 2015

Horario: Lunes a Viernes:10 am a 5pm Sábados 11 am a 5pm

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DESCONFIO DE LAS COSAS ESTABLES

Rafael Gomezbarros

Partiendo de la acción de desconfiar, dudar o temer, se plantea una narrativa visual y estética que mira con recelo estructuras mentales, las cuales socialmente se han ido incluyendo al concepto de "cotidianidad". Las tres series que componen el proyecto, son insinuaciones y simulaciones de diferentes ideas masivamente adoptadas y asumidas como propias.

De esta forma, se propone un concepto de "Paz" que surge del ícono y del imaginario armonioso; este se convierte en un gesto que aunque tranquilo y gracioso, su peso lo mantiene anclado a la frágil realidad sugerida por el material de las piezas. Asimismo, a través de la repetición el artista explora el reconocimiento o la presencia de una variedad de patrones que determinan al sujeto en la sociedad; entonces, modelos de colorimetrías como el CMYK, hasta patrones de conducta, y comportamiento, afectan continuamente los puntos de vista, insistiendo en errores que intentan opacar la individualidad o la diferencia.

Dentro de la duda expuesta como hilo conductor, también se somete a reflexión el concepto de resistencia en diferentes perspectivas. Por una parte, se alude a esa capacidad que tiene todo humano para sobrevivir en medio de diferentes situaciones de conflicto; igualmente, se vincula la figura del columpio como la infantil forma de fluctuar entre la tierra y el infinito, entre lo estable e inestable, entre lo que no es y lo que debería ser. Cada una de las obras que componen "Desconfío de las cosas estables", hacen parte de una serie de movimientos reiterativos similares a los musicales, los cuales intentan juzgar sutilmente comportamientos y estigmas recibidos de otras generaciones, con la finalidad de no insistir en el error, haciendo del arte un medio, pero sobretodo, un esfuerzo por nombrar lo innombrable.

Texto escrito por: Stefannia Doria, curadora del museo Bolivariano

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Herencia Estancada

CARLOS CASTRO

Museo Zenú de Arte Contemporaneo (MUZAC)

20 agosto / 8 septiembre 2015

Herencia: Lo que se recibe de los ancestros. Esta es una definición comprometedora. ¿qué recibimos? Tal vez un planeta generoso aun sin comprender, una historia contradictoria entre la violencia y la empatía, cuerpos humanos olvidados como despojos. Pero ¿qué dejariamos? Tal vez lo único seria una conciencia reflexiva y, con ella, intentar hacer otras cosas con el planeta y con la gente.

Carlos Castro nació en Bogotá en 1975 y entre tantas cosas que admiro de él, está su manera de moverse fácilmente entre ideologías y culturas, observando atentamente el lugar donde vive. En medio de una sociedad cada vez mas opulenta, se ha dedicado a escoger objetos en los espacios de desecho: en los "deshuesaderos" donde se revenden los carros bombas en las comisarías donde se arruman los cuchillos y los "chuzos" hechos a mano. Recorre también pasajes y almacenes donde el siglo XIX todavía exhibe una anatomía empolvada, coleccionada, instalada inmóvil, en vitrinas. Los Objetos que escoje tienen como un embrujo para la mirada: orgánicos, olvidados, sin embargo han hecho parte de nuestra vida; son objetos atraves de los cuales nos asomamos a una historia en ruinas que la imagianción coelctiva no quiere afrontar.

Pero algo sucede con estos objetos, porque Carlos Castro los ensambla y los dispone de tal manera que nos detenemos frente a ellos y así les permitimos que nos revelen su historia sin que huyamos; a partir de su belleza enfrentamos el Horror.

Cuchillos como una corona de laurel, huesos convertidos en un animal humano, vitrales con fábulas de canibalismo, nidos que nos cuentan la historia de un ser vivo que se aferra a sobrevivir, patrullas convertidas en salones del esplendor y del despojo. La intervención en estos objetos es precisa: uno o dos se combinan con el movimiento o la musica; a veces solo uno, pero desarmado frente a al mirada e iluminado por détras, y así resultan detonantes, como unos objetos bomba para despertar una conversación apalzada y necesaria sobre lo que nos han dejado y lo que quisieramos dejar. Herencia entonces como obligacion a pensar y a actuar distinto y como derecho de los olvidados.

Natalia Gutiérres

LA Galería Arte Contemporaneo los invita a La Noche de Galerias.

3 septiembre

La Noche de Galerias es un espacio en donde, en simultanea, se abren las Galerias de Arte de diferentes zonas de Bogotá. Es la oportunidad de conocer las nuevas propuestas en el ambito artistico capitalino, varias galerias inauguran sus espacios y exposiciones para ser una opcion dentro de la movida de la cultura y el que hacer de las artes palsticas de la ciudad,

esperamos su asistencia.

http://www.nochedegalerias.co/

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La exposición consta de dos proyectos titulados:

1- "Cuando los robots hicieron poesía" Instalación que incluye objetos, cine e impresión digital Año 2014 y 2015 Sala 2 Galeria LA

2- "Retorno a casa" Instalación que incluye objetos, video e impresión digital Año 2015 Sala 1 Galería LA

La exposición presenta estos dos proyectos que están vinculados por el uso de máquinas: digitales en el caso de "Cuando los robots hicieron poesía" y análogas en "Retorno a casa". A su vez, el vínculo entre ambos proyectos nace de preguntas que el artista se hace en torno al desarrollo de máquinas asociadas a la noción de progreso industrial y tecnológico como el robot y el automóvil de cierto modo colindantes con la sensación de la sociedad humana. Ambos proyectos pretenden abrir un espacio dedicado a la experiencia sensible y a través de ella adentrarse en meditaciones vinculadas a la historia, la memoria, la política, la economia y la ciencia sin dejar de lado una confianza en el materialismo que nos recuerda el vínculo con la naturaleza.

Inauguración Jueves 3 de septiembre 7:00 PM

Lugares plantea lo singular entendido como lugar, refiriéndose a los modos sensibles de asumir plásticamente la noción de pintura en traducciones que destacan lo singular, mostrando el proceso de cada artista en relación con su universo, con una movilidad, un desplazamiento, una disolución, algo que reitera lo problemático de una definición ontológica y como un modo político de asumirse. Cada artista evidencia su experiencia visual en torno a la pintura, resaltando la extrañeza y buscando exaltar la percepción sensorial.

ARTBO

2015

del 1 al 4 de OCTUBRE

Corferias, Bogotá Colombia

En el marco de la exposición TESTAS de Maquiamelo.

LA Galería los invita a un recorrido guiado en donde se comentaran las reflexiones e impresiones de las piezas de la muestra, que hacen parte de distintas exposiciones, DIVAS, MAFIOSOS, MATADORES, entre otras nos acompañara Maquiamelo.

link evento

http://revistadiners.com.co/artes/12961_abre-exposicion-que-renueva-el-concepto-de-retrato/

Tres artistas jóvenes presentan en LA galería la exposición “Cuerpo / Identidad / Tiempo”, en la que cuestionan el retrato fotográfico tradicional para abordarlo desde otra perspectiva.

Un hombre que no puede verbalizar lo que piensa, acostumbrado a que la vida sea una secuencia premeditada, como que cada uno de los ocho cigarrillos que fuma al día tenga un horario inquebrantable o que el hielo deba estar acomodado por tamaño para separar los que se va a comer y los que va a usar para el whisky que toma en la noche cuando nadie más lo ve. Esa es la historia a la que se enfrenta la artista visual y comunicadora Alejandra Sarria, de 26 años, en su muestra “Habitus e iteraciones” a través de varias secuencias fotográficas y una crónica sincera y dura sobre su padre.

Por Juliana Muñoz - Febrero 11 de 2014

Revista Diners

Texto completo: http://revistadiners.com.co/artes/12961_abre-exposicion-que-renueva-el-concepto-de-retrato/

CONVERSATORIO

Jueves 13 de 2014, 5:00pm

¡Los esperamos!

https://www.facebook.com/events/218412198364998/?ref=ts&fref=ts

CONVERSATORIO

Jueves 13 de 2014, 5:00pm

¡Los esperamos!

https://www.facebook.com/events/218412198364998/?ref=ts&fref=ts

Adriana Mamorek en el MUUA

Adriana Marmorek en: "La novia del viento"

Exposición colectiva de mujeres artistas colombianas

Lugar: Museo de la Universidad de Antioquia (MUUA)

Inauguración: jueves 13 de febrero, 2014

Santiago Leal en EL MUSEO

Santiago Leal en: "Lengajes de papel"

Exposición colectiva en Galeria EL MUSEO

Inauguración: jueves 6 de febrero, 7:00 p.m

CUERPO&nbsp;/ IDENTIDAD / TIEMPO.&nbsp;Artistas:Mar&iacute;a Paula Dur&aacute;n &ndash; Gabriel Lea&ntilde;o &ndash; Alejandra Sarria

CUERPO / IDENTIDAD / TIEMPO. Artistas:

María Paula Durán – Gabriel Leaño – Alejandra Sarria

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María Paula Durán – Gabriel Leaño – Alejandra Sarria

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María Paula Durán – Gabriel Leaño – Alejandra Sarria

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María Paula Durán – Gabriel Leaño – Alejandra Sarria

CUERPO / IDENTIDAD / TIEMPO

Artistas:

María Paula Durán – Gabriel Leaño – Alejandra Sarria

Curada por Ana María Lozano, esta muestra presenta el trabajo de cuatro artistas que, desde la fotografía, desarrollan proyectos relacionados con el género Retrato. Cada uno de los proyectos enfrentó en su desarrollo la manera como en Occidente se ha entendido que la identidad de un sujeto se expresa materialmente a través del rostro y del cuerpo. Sin embargo, los cuatro proyectos presentados interrogan esa suposición y se enfrentan a la pregunta por la identidad, por medio de procesos extendidos en el tiempo.

Inauguración: jueves 30 de enero, 2013
7:00 p.m
LA galería
Calle 77 No.12-03

http://www.lugaradudas.org/exhibiciones.htm

David Peña en:

En Lugar a dudas:
Objects in mirror are closer than they appear
Proyecto seleccionado por convocatoria 2013.

Curaduría: Daniel Silvo

Inauguración: 31 de enero de 2014 - 7:00 p.m

En esta exposición se muestran obras realizadas con sencillos gestos aplicados a objetos cotidianos, negociando con los significados de las imágenes de una manera muy sutil. Como en el lema de los espejos retrovisores de los coches estadounidenses, el espejo deforma levemente la realidad. O quizá no tan levemente, según la tesis de esta exposición.

Los artistas que componen la exposición son:
Cristina Garrido, Marlon de Azambuja, Karmelo Bermejo, Nicolás Consuegra, David Peña, Navid Nuur y Miguel Ángel Tornero.

Info: http://www.lugaradudas.org/exhibiciones.htm

http://www.youtube.com/watch?v=-EM_jcnCzn4

David Peña en SAVERNACK STREET GALLERY

February 5 - March 15

2411 24TH ST. SAN FRANCISCO, CA 94110
OPEN 24 HOURS

Desde el 15 de enero retomamos nuestro horario habitual.
¡Los esperamos!

Lunes a Viernes10:00 am - 1:00 pm / 2:30 pm - 7:00 pm
Sábado11:00 am - 3:00 pm

Banda Sonora. Exposici&oacute;n colectiva artistas LA galer&iacute;a

Banda Sonora. Exposición colectiva artistas LA galería

BANDA SONORA. Hasta el 25 de enero.

¡No de la pierdan!

El perfíl de facebook de LA Galería llegó al límite de sus amigos permitidos.

Te invitamos a formar parte de nuestra nueva página.

¡Gracias!

https://www.facebook.com/pages/L-A-Galería-Arte-Contemporáneo/206360449496293?ref=ts&fref=ts

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LA galeria en PULSE Miami 2013

IMPULSE Section: Carlos Castro

Blog: http://www.ultravie.co.uk/blog/2013/11/25/pinta-ny-2013-our-favourite-artworks/

Capilla blanca. Bogot&aacute; 12 de noviembre de 2013Carlos Castro

Capilla blanca. Bogotá 12 de noviembre de 2013
Carlos Castro

Capilla blanca (Bogotá 12 de noviembre de 2013)

Plaza de Bolivar, Centro histórico

Artista: Carlos Castro

SACRUM CONVIVIUM

Conversatorio: Ricardo Arcos-Palma y Germán Arrubla

LA galería - Arte contemporáneo

Hoy jueves 28, 6:00 p.m

¡Los esperamos!

https://www.facebook.com/events/1485831774974414/1490268084530783/?notif_t=plan_mall_activity

LA Galeria, Carlos Castro en PULSE MIAMI 2013

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LA Galeria, Carlos Castro en PULSE MIAMI 2013
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LA Galeria, Carlos Castro en PULSE MIAMI 2013
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LA Galeria, Carlos Castro en PULSE MIAMI 2013

http://www.eltiempo.com/colombia/bogota/la-patrulla-sixtina_13220118-4

Adriana Salazar en Cities of the Edge, Tazni Centre of Contemporary Art

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Adriana Salazar en Cities of the Edge, Tazni Centre of Contemporary Art
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This exhibition brings together a group of four contemporary artists from Colombia. These artworks take the viewers through an interpretation of the main themes that could define the current Colombian capital city situation.

Bogota- A city- on the Edge is an art exhibition which selected art projects and artworks bringing into play the different city’s environment social issues, in order to show how Bogota has become an important art location. Not only identifying where we are in the world, but also showing our extemporaneous distance to the art world. In this way, the viewers that will be attending this show are going to have the chance to see the implications of being and living as an artist in a city like Bogota.

In the context of a South American city like Bogota we must address many different subjects to understand its social absurd edges. First the political game that has been played there during the recent decades includes things such as: re-interpretation of neo liberal North American politics, hybrid pop-culture citizenship identities and fictional plans of urban modernisation. These factors have contributed to the loss of its key social goals; jeopardising the spread of further developments, to mention just a few examples -the absence of an adequate public systems of transport or a proper urban infrastructure- not because of the lack of financial resources, but the inability to cope with abusive administrations.

The events that have been taking place in Bogota akin to science fiction stories, nevertheless those narratives that the artists have suggested as motives to create new artworks are now social realities. In some of the cases the artists have transformed those social narratives from its original referents and in other cases they have shaped their practices into social critical views. Therefore this exhibition pretends to offer a reflection about the problems inside of this city and move away from typical representations of undeveloped environments.

This exhibition is presented in the framework of a long-term project titled Cities On The Edge, in which the ‘edgy’ position of Gdańsk is explored. The project’s point of departure is the meaning of word ‘edgy, ‘which describes contemporary culture and the states of many contemporary cities being.

text: http://www.artslant.com/ew/events/show/304912-bogota-a-city-on-the-edge

November 22, 2013 - January 19th, 2013

More info: http://www.laznia.pl/index.php?mod=mainart&aid=61&&lang=en

https://www.facebook.com/events/524918554258233/?previousaction=join&source=1

Carlos Castro - Belleza Accidental

Para leer artículo completo:

http://www.revistaarcadia.com/impresa/arte/articulo/la-transicion-premio-luis-caballero-halim-badawi/34268

LA galeria en PINTA NEXT N.Y, 2013

LA Galeria - Booth PN1

LA Galeria - Booth PN1 - Ánima, de Adriana Marmorek

LA Galeria - Booth PN1 - Leonardo Ramos

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LA galeria en PINTA NEXT N.Y, 2013
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LA galeria en PINTA NEXT N.Y, 2013
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LA Galeria - Booth PN1
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LA Galeria - Booth PN1 - Ánima, de Adriana Marmorek
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LA Galeria - Booth PN1 - Leonardo Ramos

PINTA Next features young artists and emerging galleries selected by the full curatorial committee of PINTA New York 2013. The twenty participating exhibitors have been open under five years, recognized by the curators for their unique programs, and represent the next generation of exciting young artists. These spaces have adopted a wide range of formats – white cube galleries, roving curatorial projects, collective art studios, and artist-run spaces – to pursue their commitment of promoting emerging art in their respective countries.

LA GALERIA-Carlos Castro, Belleza Accidental. Proyecto nominado al VII Premio Luis Caballero

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LA GALERIA-Carlos Castro, Belleza Accidental. Proyecto nominado al VII Premio Luis Caballero
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LA GALERIA-Carlos Castro, Belleza Accidental. Proyecto nominado al VII Premio Luis Caballero
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LA GALERIA-Carlos Castro, Belleza Accidental. Proyecto nominado al VII Premio Luis Caballero

BELLEZA ACCIDENTAL , del artista Carlos Castro

Proyecto nominado al VII Premio Luis Caballero, estará abierto al público hasta el 10 de noviembre.

Museo Iglesia Santa Clara

Carrera 8 # 8 - 91
Candelaria - Centro Histórico
Bogotá - Colombia

De martes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm.

Sábados y domingos de 10:00 am a 4:00 pm.

LA Galeria en PINTA N.Y 2013

Si usted tiene previsto estar en NYC en estos días y desea tener una invitación para visitar la feria,
envíenos un correo a info@la-galeria.com.co para acordar la forma de entregársela.

adriana salazar

Adriana Salazar en el 43 Salón (inter) Nacional de Artistas

Medellín, septiembre 6 - noviembre 3

2013

ADRIANA SALAZAR (Colombia, 1980)

Es maestra en Artes Plásticas de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá con una maestría en Filosofía de la Universidad Javeriana. Entre sus exposiciones individuales están Vida quieta, Espacio Odeón, Bogotá (2012); Failed Attempts, Casa Vásquez, Corumbá (2011), y Ejercicios de desaparición, LA Galería, Bogotá (2010). Ha realizado residencias artísticas en Brasil. Noruega, Japón y México. Su trabajo como artista parte de un cuestionamiento por los gestos humanos, la relación que existe entre sujetos y objetos, y los límites entre naturaleza y artificio. Además de artista, es gestora de proyectos y diseñadora de la tienda de diseño de modas La Ropería, en Bogotá, ciudad donde vive y trabaja.

Lugar de exposición: Museo de Antioquia

Más info: http://43sna.com/

Crítica en directo: Belleza accidental - CARLOS CASTRO

Publicado por Crítica en directo en 2013/10/11 - Esfera Pública
Tema crítica en directo, en foco, premio luis caballero, reciente

Un recorrido con Carlos Castro y Elkin Rubiano por la exposición Belleza Accidental, nominada al Premio Luis Caballero. Castro trastoca imaginarios de la Iglesia y de la policía dando un uso inesperado a objetos que vienen de estas dos instituciones: música sacra, un carro de la policía, pipetas de bazuco, elementos ornamentales y cuchillos confiscados a los habitantes del Bronx, el cual se encuentra a pocas cuadras de la Iglesia Santa Clara.

Página del Premio Luis Caballero > http://premioluiscaballero.gov.co/

Ver: CRÍTICA EN DIRECTO - ESFERA PÚBLICA

SACRUM CONVIVIUM - Germ&aacute;n Arrubla. Curadur&iacute;a: Ricardo Arcos-Palma

SACRUM CONVIVIUM - Germán Arrubla. Curaduría: Ricardo Arcos-Palma

LA Galeria - Arte contemporaneo en artBO 2013 - stand 309

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Carlos Castro - PREMIO LUIS CABALLERO

Séptima edición
5 de octubre al 2 de noviembre de 2013

Sobre el proyecto: Belleza accidental

Museo-iglesia Santa Clara

El proyecto Belleza Accidental tiene como punto de partida la localidad de Los Mártires en Bogotá. Este sector lleno de contrastes, es testigo y resultado de los drásticos cambios que ha sufrido la ciudad a partir de mediados del siglo pasado. El proyecto surge de la investigación y la re contextualización tanto simbólica como funcional elementos que son producto de confrontaciones sociales específicos del sector.

Belleza Accidental parte de objetos relacionados a las confrontaciones sociales en la localidad de Los Mártires de Bogotá. Entendiendo estos como residuos del pasado que condicionan actitudes y modos de pensamiento en el presente, la intención de cada pieza es re contextualizar, relacionar y reactivar estos objetos con la intención de generar una nueva mirada sobre ellos para establecer vínculos históricos que logren en el espectador reflexiones acerca del pasado y el presente en que vivimos. Las piezas del proyecto Belleza Accidental sintetizan aspectos antropológicos, estéticos e históricos que hacen referencia a las relaciones entre lo político y lo religioso dentro de la identidad colombiana. Así, la exposición busca cuestionar ciertos criterios y valores culturalmente aceptados, señalando la manera como se redefinen en la vida contemporánea cuando se encuentran con elementos supuestamente indeseables o no reconocidos.

Texto completo: http://www.premioluiscaballero.gov.co/index.php/obras/belleza-accidental/el-proyecto/descripcion

Más info: http://www.premioluiscaballero.gov.co/index.php

Sobre el artista: click aca

Ver trailer: http://vimeo.com/75442749

Ver: CRÍTICA EN DIRECTO - ESFERA PÚBLICA

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night as mine

When art acts as a coping mechanism to deal with the world, consider the human condition— the disquieting and delicate complexities of existing in modern society. Somehow, we are here. We live, and we die, and then we disappear. When pressure builds up from anxiety and unspoken things, the complexity of existing increases with the lack of significance from physicality. Sometimes people bend to the concept of time; the notion of experience and feelings are lost to the more concrete things such as materiality and financial capability. Insecurity and heaviness will begin to accumulate. Time passed, and we have smaller, heavier hearts. Complexities from relationships between people—social anxiety, those who had been lost, who had been broken or come to be, when a part of them disappears. I wonder about the possibilities of keeping up, when some people succumb to the pressure can they still afford to pursue their dreams?

Night time. It darkens, brings silence—everything is softened. It is more private, personal. There is a shift to a different dimension when you lie in bed and close your eyes. We are by ourselves, you are yours again. There had been lost, broken and defeated. But despite the somewhat darker weight that initiated our works, it was in the end to create something that could be a comfort. To find, and feel good again—to bring in something better. Night as mine refers to the personal moment of grieving and coping. It is a small consolidation of thoughts from malaise, love, obscurity and sincere reflections from making art in the age of technology and modernity.

Yeo Yakka, Ashley

Santiago Leal

So-young Moon, Monica

0 3 / O C T / 1 3 - 3 1 / O C T / 1 3

Brother Joseph McNally Gallery

Insitute of Contemporary Arts Singapore

LASALLE College of Art

"Lo que existe, lo que no existe" - Adriana Salazar - LA Galer&iacute;a

"Lo que existe, lo que no existe" - Adriana Salazar - LA Galería

Conversatorio - "Lo que existe lo que no existe"

Miércoles 9 de Octubre, 2013
6:00 pm
LA Galería - Arte contemporáneo

Participantes:

Karen Quintero y Camilo Rojas - Antropólogos forenses a cargo del proyecto de excavación del Cementerio Central.
Paola Camargo - Historiadora y curadora de la exposición
Adriana Salazar - Artista

El conversatorio que se propone en el marco de la exposición "Lo que existe, lo que no existe" se plantea como un diálogo entre disciplinas: el arte y la antropología forense. Quintero y Rojas han realizado una labor exhaustiva de excavaciones preventivas en un area importante del Cementerio Central de Bogotá. Salazar, por su parte, realiza un trabajo de apropiación de la superficie de los mausoleos que se acerca al ejercicio de dichas excavaciones. Ambos ejercicios, excavar y dibujar, implican un reconocimiento y una transgresión del límite entre vida y muerte que parece estar claramente demarcado en este lugar de la ciudad.

Más información: https://www.facebook.com/events/188824604635562/?ref_newsfeed_story_type=regular

Francisco Klinger Carvalho entre los ganadores del III Concurso Itamaraty de Arte Contemporáneo

del Ministerio de Relaciones Exteriores, Brasil.

Obra: FORMAS NAVEGATÓRIAS

El perfíl de facebook de LA Galería llegó al límite de sus amigos permitidos.

Te invitamos a formar parte de nuestra nueva página.

¡Gracias!

https://www.facebook.com/pages/L-A-Galería-Arte-Contemporáneo/206360449496293?ref=ts&fref=ts

Lo que existe, lo que no existe - Adriana Salazar

Lo que existe, lo que no existe - Adriana Salazar

12 septiembre - 12 octubre, 2013

¡Los esperamos!

Desidium, exposición de Adriana Marmorek en el MUUA

Agosto 22 - septiembre 27

Desidium significa deseo. En latín, se dicen las "cosas cultas y las cosas sexuales" , es la lengua de la sabiduría y de lo arcano. A través de la historia occidental a las mujeres les estuvo vedado aprenderlo, pues acercarse al conocimiento contrastaba con el modelo de la feminidad. De la misma manera, su cuerpo fue objeto de sacralización, medicalización y hasta psiquiatrización.

La obsesión por entender el cuerpo femenino y su funcionamiento proyectó en un principio imágenes perversas y malignas alrededor de la "animalidad" de su sexo lo cual devino a lo largo de la historia en la construcción de un andamiaje social, cultural y científico que procuró proteger a los hombres y a las mismas mujeres de perderse inefablemente en los placeres mundanos. La sexualidad femenina se forjó como un misterio, de tal manera que ésta debía guardarse, protegerse y encerrarse. El tabú hacia lo desconocido, generó representaciones de lo femenino que han permanecido a través de los tiempos. En palabras de la historiadora Michelle Perrot, el sexo de las mujeres fue "imaginado, soñado y codiciado por los hombres".

Tantas veces expuesto, el cuerpo de las mujeres se espía, se convierte en objeto deseo. Precisamente, son estas imágenes las que invaden el conjunto de obras de Adriana Marmorek. La artista demuestra una preocupación por aquellos cuerpos femeninos fragmentados por la publicidad y los mass media. Pero es importante advertir que en ocasiones subvierte el significado mediático y se obsesiona por aquello que no está fabricado sino que se inclina por entender ese universo misterioso del sexo femenino, ese que se mantiene en la más silenciosa intimidad, en el que las mujeres se miran al espejo, celebran su cuerpo, se desean y se sienten deseadas por ese otro. Sus instalaciones y objetos registran lo expuesto y a su vez lo oculto de la experiencia femenina del cuerpo.

Desidium, reúne diferentes piezas de la artista que se conectan a través de un hilo conductor: el deseo. Una lectura que invita a husmear por sus recovecos, a escuchar sus silencios y a mirar a través del espejo del tiempo cómo en el mundo contemporáneo aún persisten esas deseantes, deseosas y deseadas figuras de la antigüedad.

Luz Adriana Hoyos G.
Curadora

Ver video completo: http://www.youtube.com/watch?v=S5_5KJjToQk

Planta #31, 2013. Instalaci&oacute;n con fragmento de planta, madera, hilos, motores y sensor. Dimensiones variables. Cortes&iacute;a de la artista.

Planta #31, 2013. Instalación con fragmento de planta, madera, hilos, motores y sensor. Dimensiones variables. Cortesía de la artista.

Adriana Salazar en el 43 Salón (inter) Nacional de Artistas

Medellín, septiembre 6 - noviembre 3

2013

ADRIANA SALAZAR (Colombia, 1980)

Es maestra en Artes Plásticas de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá con una maestría en Filosofía de la Universidad Javeriana. Entre sus exposiciones individuales están Vida quieta, Espacio Odeón, Bogotá (2012); Failed Attempts, Casa Vásquez, Corumbá (2011), y Ejercicios de desaparición, LA Galería, Bogotá (2010). Ha realizado residencias artísticas en Brasil. Noruega, Japón y México. Su trabajo como artista parte de un cuestionamiento por los gestos humanos, la relación que existe entre sujetos y objetos, y los límites entre naturaleza y artificio. Además de artista, es gestora de proyectos y diseñadora de la tienda de diseño de modas La Ropería, en Bogotá, ciudad donde vive y trabaja.

Lugar de exposición: Museo de Antioquia

Más info: http://43sna.com/

Lo que existe, lo que no existe - Adriana Salazar

Inauguración: jueves, 12 de septiembre de 2013 – 7:30 pm (Noche de galerías)

Cierre: sábado, 12 octubre de 2013– 3:00 pm

En la mitología griega algunos personajes tienen la posibilidad de peregrinar por el mundo de los muertos y regresar al mundo de los vivos para contarlo. Su descenso al inframundo (catábasis) constituye la experiencia de un viaje épico, como el realizado por Orfeo, Ulises, Odiseo y Perséfone. Como resultado de su entrada al mundo de los muertos tenemos relatos orales y escritos, que constituyen las huellas de un mundo visto por el viajero. En otras mitologías, como las mesoamericanas, el chamán, viajero por excelencia, sabedor y sanador, es capaz de transitar entre tres mundos: el de arriba, el del medio y el de abajo. El viaje del héroe y el del chamán están profundamente conectados por una pulsión vital; son viajes de saber y viajes de conocimiento.

El artista es hoy un nuevo tipo de viajero, puede elegir a dónde ir y hacerlo, puede hacer recorridos por distintas latitudes y acercase a las reflexiones de botánicos, geógrafos, marineros o comerciantes de otros tiempos. Puede viajar sabiendo cuándo va a regresar o sin intención de volver. Puede hacer un viaje metafórico, revisitando lo más cercano con ojos nuevos, o incluso, puede ir en busca de un mundo que hemos dejado en las márgenes del tiempo, y en este sentido el artista puede (en tanto poder y posibilidad), acercarse al universo del héroe y del chamán.

Este último tipo de viaje es del que Adriana Salazar nos trae evidencia en Lo que existe, lo que no existe. Para la artista resulta inquietante que en nuestro contexto la enorme devoción por los muertos coexista con el incesante irrespeto por la vida. Lo que existe, lo que no existe muestra un primer resultado de sus peregrinaciones al Cementerio Central de Bogotá. Los ejercicios de tiempo presentes en esta muestra nos hablan del mundo de los muertos, pero sobretodo nos dan noticias del mundo de los vivientes que visitan este espacio situado en el corazón de la ciudad. Gracias a su trabajo es posible considerar una vez más cómo las mitologías son expresivas de un profundo deseo por hacer que lo que existe y lo que no existe estén conectados. Tal vez en la complejidad de nuestro presente llegue el instante en que podamos preguntar a la artista:

Tú que vienes desde el mundo/ del país de los vivientes,

dinos si el cielo perdura / y si existe el mundo aún.

Dinos si relampaguea, / si truena y llueve y hay nubes,

y si aún la Vía Láctea / corre y ondula en el cielo;

si hay árboles y jardines / y si las plantas florecen,

si perfuman las colinas / y si las plantas florecen,

si los prados están frescos / y la brisa sopla suave,

si aún brillan en el cielo / las estrellas y el lucero.

¡Si se trizara la lápida / se removiera la tierra,

y los míseros se alzaran / desde sus lechos sin sol!

Volviera nuestro semblante, / tornara la juventud,

pudiera hablar nuestra lengua, / se escuchara nuestra voz,

pisáramos en el mundo, / paseáramos por la tierra

Texto escrito por: Paola Camargo

[1] Poema funerario popular cantado por las mirologhistres o plañideras. En este poema, los muertos cantan a los vivos pidiendo noticias de su mundo. En: Castillo Didier, Miguel. Antología de la literatura Neohelénica. Santiago de Chile: Editorial Andrés Bello, 1971, pág. 34

Adriana Salazar, P&aacute;jaro, Naturaleza que muere

Adriana Salazar, Pájaro, Naturaleza que muere

NOCHE DE GALERÍAS

12 septiembre, 2013 por RevistaDC

Es una noche para dejarse llevar, para husmear a través de diferentes mundos. Porque eso es cada artista: un mundo aparte, con un dialecto único, con formas provocadoras, con propuestas que sorprenden, recuerdan o que en todo caso se quedan fijadas en los sentidos del espectador. Es una noche, la Noche de las Galerías, en la que las colecciones de arte contemporáneo estarán abiertas hasta las 10 de la noche y el público podrá subirse en una ruta para alcanzar a visitar alrededor de siete en la zona norte de Bogotá.

Durante el año se han realizado varias jornadas en las que las galerías abren sus puertas hasta tarde, por lo general el primer jueves de cada mes. Pero esta será la primera vez en la que el público contará con un bus y un guía para hacer el recorrido, gracias al apoyo del centro comercial El Retiro.

“Queremos hacer de esta una zona de galerías de arte así como el WynwoodArts Districtde Miami, y acercar a las personas y grupos de coleccionistas. El norte es un lugar que se presta para eso por la cercanía de oficinas y centros comerciales”, explica Daniela Camero, de la galería argentina con sede en Bogotá Del infinito Arte. “Esta noche es para acercar a un público diferente, que quiera aprender más o que si tiene un conocimiento previo pueda acceder a nuestras colecciones. Es muy positivo que las galerías están pensando en hacer algo juntas para que el arte llegue a diferentes esferas”, asegura Daniela Sánchez, de LA Galería.

Esa noche, el jueves 12 de septiembre, coincide en que la mayoría de galerías inaugura su exposición de la temporada. Todas comparten el gusto por el arte contemporáneo, pero cada una con su enfoque particular. Del infinito Arte, por ejemplo, se inclina por lo abstracto y le apunta a un mercado no centralizado. Por eso los artistas que acoge son, por lo general, ajenos a Bogotá, como Gabriel Botero, de Medellín, que inaugurará para la Noche de las Galerías una obra que parte de su experiencia personal, del mundo minero antioqueño, y la transforma en formatos diferentes.

En otras galerías como Casas Riegner, Nueveochenta, Rojo Galería y La Central, habrá propuestas de artistas jóvenes, dibujo o instalación.Una de las exposiciones recomendadas es Lo que existe, lo que no existe de la de la artista bogotana Adriana Salazar en LA Galería,en la que reflexiona sobre la relación con la muerte en nuestra cultura. Es el resultado de un trabajo en el Cementerio Central de Bogotá, en el que Salazar buscó lo no evidente para desmontar los prejuicios sobre la vida y la muerte. También hizo unos ejercicios de dibujo, como calcar lápidas y replicar objetos en papel para que el espectador tuviera la sensación de estar en un cementerio de papel.

Galerías participantes

Del infinito Arte/Bogotá
Cll. 77 # 12-03 local 103
www.delinfinito.com

LA Galería
Cll. 77 # 12 – 03
www.la-galeria.com.co

La Central
Cra. 12A # 77A-72
www.lacentral.com.co

Rojo Galería
Cra. 12A # 78-70
www.rojogaleria.net

Casas Riegner
Cll. 70A # 7-41
www.casasriegner.com

Nueveochenta
Cll. 70 # 9-80
www.nueveochenta.com

Cero Galería
Cll. 80 # 12-55

Por Laura Juliana Muñoz

texto completo: http://bogota.revistadc.com/?os_dcultura=la-noche-de-las-galerias

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Hoy jueves 12 de septiembre de 2013: Noche de galerías

Los espacios Cero Galería, Rojo galería, La central, LA galería, Del Infinito, Sextante, Nueveochenta y Casas Riegner se complacen en anunciar la Noche de Galerías que tendrá lugar el 12 de septiembre de 2013. Este evento convoca diferentes espacios de la ciudad con el fin de fortalecer la oferta cultural de Bogotá y potenciar el acercamiento del público a la escena artística local, nacional e internacional.

Durante la Noche de Galerías los asistentes podrán recorrer desde las 7:00 p.m. espacios de arte ubicados en la zona Norte de la ciudad y participar de las visitas guiadas e inauguraciones programadas para la fecha. Dentro de las muestras artísticas que podrán visitar en el marco del evento se encuentra Ciudades infinitas de Juan Pablo Velasco (Colombia), Destinos de Michele Rothfuss (Colombia-Alemania) y Yuri Tsuzuki (Japón),
Ensayo de Bernardo Ortiz (Colombia), Lumpen Asterismos de Julia Rometti (Francia) y Victor Costales (Bielorrusia), Xenogamia de Luz Angela Lizarazo (Colombia), Lo que existe, lo que no existe de Adriana Salazar (Colombia), Ruinas persistentes de Gabriel Botero (Colombia), Memoria y vida en cajas de Marcos Salazar (Venezuela), Escaques de Monique Savdié (Rumania-Colombia) y Talento pirata de Jaime Ávila (Colombia).

Noche de Galerías cuenta con el apoyo de El Retiro centro comercial que prestará servicio de transporte entre los diferentes espacios.

Mayor información en www.elretirobogota.com/esp/?page_id=1967

Francisco Klinger en " Parque de transgressões"

SIM Galería, Curitiba

Inauguración: 30 agosto, 2013 - 19h

Cierre: 28 septiembre, 2013

Estimadas/os amigas/os del arte:

Invito cordialmente a la presentación del proyecto "Tras las huellas del mito Germania" (Instalación "Herencia incómoda") el 7 de septiembre a las 5 pm en la Academia de las Artes, Pariser Platz 4, Berlín. Me alegraría mucho su presencia.

Edgar Guzmanruiz

TRAS LAS HUELLAS DEL MITO GERMANIA

Un proyecto de Elfi Müller y Edgar Guzmanruiz

Tras las huellas del mito Germania es un proyecto artístico sobre "Palimpsestos" urbanos (sobreposiciones) en el distrito gubernamental de Berlín. El proyecto se confronta con la ciudad de Germania "Capital del mundo", planeada por el arquitecto de Hitler, Albert Speer, en particular sobre su ideología destructiva y la posición de poder que ocupaba su arquitectura.

El proyecto consta de dos partes: una física que consiste en un Modelo-Matrioshka Germania y una instalación Herencia incómoda, y otra de carácter performático.

El modelo en escala 1:2500 de Edgar Guzmanruiz visualiza la "superposición" de los más importantes edificios proyectados para Germania sobre los del distrito gubernamental de la actual Berlín.

La parte performática de Elfi Müller consiste en "guías arquitectónicas" en las que los "edificios" más importantes de Germania se hacen "perceptibles" a través de la palabra y la imagen. Las guías están acompañadas por experienciaciones espaciales y el desarrollo de mapas cognitivos.

Partiendo de la arquitectura presente se busca hacer "tangible" una arquitectura ausente y sus persistentes consecuencias arrojando la pregunta:

¿Es Germania mito o realidad?

El yo: La exposición SELF del artista Leonardo Ramos Moreno

Publicado el 27 de agosto, de 2013 por Luis Alberto Mejía Clavijo

La materia es infinita e inmortal mientras permanezca en forma de punto. Como punto, contiene al mismo tiempo todas las formas, representa una cosa y por tanto puede ser cualquier cosa. Pero cuando la materia se transforma en una línea, ahí se convierte en vector y por tal motivo está condenada a la muerte. Para poder continuar indefinidamente tendría que tener una energía infinita; y sabemos por Ein-stein (Una Piedra -en el Camino-), que las cosas van perdiendo su espesor entre más se acerquen a la velocidad de la luz, entre más fuerza tengan.

La mortalidad de los vectores en los que vivimos se agudiza cuando nos convertimos de célula a pólipo, pez, reptil, mamífero; es decir cuando nuestras estructuras se van volviendo de un punto a una línea, de una línea a una línea que contiene más líneas (como los cuernos de un venado, como un árbol, como un rayo). El yo es un punto que todos llevamos al interior de una célula, en la parte más baja del intestino delgado, es el punto que nos une con todos los seres vivos en la tierra. Ese es nuestro verdadero rostro.

Lo que nosotros hacemos es proyectarnos en las formas, como quién se mira en un espejo, no para ver una cara, sino para ver la fuerza de las líneas temporales, para ver los bailes de formas antes de la muerte: Yo soy eso que veo.

Ha sido bueno contar una historia espiritual de toda la materia, representada en puntos y líneas como Kandinsky; pero también tendríamos que contar la historia en formas más semejantes a nosotros, la parte más resonante (en nuestros huesos): la Pequeña Historia de la Animalidad- que, como lo reconoce Derridá, no tiene ninguna diferencia sustancial con nosotros, puesto que todos somos grafías físicas en movimiento, huellas, cuerpos-testimonios.

El hombre -en un proceso que no ha terminado (y ojalá que termine frustrado)- vino a reemplazar a los jaguares, los siguió y por eso vio su rostro en la luna; cazó al venado e hizo tambores con su piel; vino a comer la miel de las abejas (hombres pequeños en ceremonia). Así Leonardo porta cuernos-lápices femeninos (rojos) y masculinos (blancos), pinta con ellos; se transporta en cazador-presa. Voluntad de dejar a los otros construir su hogar temporal con nuestros huesos.

El yo es una sustancia compulsiva, un vector que aglutina objetos físicos alrededor. Utiliza como espejo de sí mismo todo objeto con el que entra en contacto, todo lo transforma en onda de diálogo con la propia mortalidad: No es que esté hablando con alguien a mi lado, estoy hablando conmigo mismo; necesitaba de esa persona para darme cuenta de algo que yo estaba haciendo, algo que estaba pensando; no es que sean varios personajes en una película o en un libro, es un solo personaje-espectador que se multiplica en voces que ya tengo dentro, no es que sean varias obras, es la variación de la apariencia que necesito para regresar por algún camino y creerme la ficción de que el yo recorre caminos; Esta es, ciertamente, la única forma de vivir que tenemos mientras regresamos a la forma de punto.

Luis Alberto Mejía Clavijo

Director de Arte

Soul Feedback Studios

*Individuo significa indivisible: todo al mismo tiempo, una cosa que es todas las cosas, yo.

Texto tomado de: http://luissioamclavijo.blogspot.com/2013/08/el-yo.html

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EL ARTE QUE HAY PARA VISITAR

por: Mónica Quintero Restrepo

publicado el 14 de agosto de 2013 en El Colombiano

Desidium

Adriana Marmorek es una artista bogotana que ha trabajado el cuerpo femenino. En esta muestra se hace un recuento de sus obras, en el tema el deseo femenino, con un soporte en Ovidio y Homero. La exhibición presenta instalación, video, fotografía. Se inaugura el 22 de agosto en el Museo Universitario de la U. de. A, junto con tres exposiciones más: Una mirada en un viaje a Berlín de Jullian Hemelberg, Campo abierto de Tulio Restrepo y The man, the fly, the rebel girl de Inger-lise Kristoffersen

texto completo: http://www.elcolombiano.com/BancoConocimiento/E/el_arte_que_hay_para_visitar/el_arte_que_hay_para_visitar.asp

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Juan Carlos Delgado en FLORA ars+natura

"Ninguna forma de vida es inevitable"

Info aca: http://arteflora.org/en-exposicion/201308ninguna-forma-de-vida-es-inevitabledelgado/

SELF

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Hoy se inaugura SELF

Muestra individual del artista Leonardo Ramos Moreno
Curaduría: Ricardo Arcos-Palma

Calle 77 12-03, 7.30pm
¡Los esperamos!

Carlos Castro. Imperio.

Carlos Castro en COLOMBORAMA

Fuente: http://www.arte-sur.org/es/inicio/colomborama-2/

Febrero – Junio 2013
Oslo, seis espacios differentes

COLOMBORAMA es un proyecto multi plataforma curado por Marius Wang en colaboración con Olga Robayo y producido por TrAP. El proyecto quiere mostrar y llevar una selección de la escena de arte expansiva que se encuentra hoy día en Bogotá e insertarlo en Oslo. El proyecto se desarrolla en seis espacios diferentes y se realiza desde los finales de Febrero hasta finales de Junio de 2013.

Los siguientes lugares hacen parte del proyecto de COLOMBORAMA: en Stenersenmuseet (28.2 – 5.5) se encuentra la muestra colectiva de BOGOTAPOLIS que presenta obras de los artistas: Jaime Avila, Carlos Bonil, Elkin Calderón, Carlos Castro, Wilson Diaz, Miguel Kuan, Edinson Quiñones, José Alejandro Restrepo, Maria Isabel Rueda, Edwin Sánchez y Andrés Felipe Uribe. En el Tegnerforbundet (7.3 – 7.4) el artista Humberto Junca Casas tiene una muestra individual, luego en Dortmund Bodega se hará una muestra “Post-mortem” de lo que fue el espacio El Bodegon (2005-09). En Fotogalleriet (24.5 – 30.6) se hará una muestra individual de Angélica Teuta y en Podium (1.6 -15.6) Mauro Renato Benavidez desarrollará su proyecto Trashpical. A finales de Mayo también vendrá el colectivo de Hip-Hop Crack Family que hará un taller y un concierto en Rommen Scene. Adicionalmente, y paralelo a todos las muestras, El Parche Artist Residency, que viene operando en Bogotá desde el 2009, se tomará W17/Kunstnernes Hus como lugar para realizar una variedad de exposiciones, charlas, fiestas y otros intercambios culturales.

Informaciones Prácticas

BOGOTAPOLIS
Stenersenmuseet
Munkedamsveien 15
0250 Oslo
28.02 – 05.05.2013

Damn Right! – Norwegian Wood?
Tegnerforbundet
Rådhusgaten 17,
0158 Oslo
07.03 – 07.04.2013

EL BODEGON – Post mortem
Dortmund Bodega
Grønlandsleiret 55,
Oslo Norway
19.04 – 26.04.2013

RE place / RE quest
Fotogalleriet
Møllergata 34
N-0179 Oslo
24.05 – 30.06.2013

TRASHPICAL
Podium
Hausmannsgate 34,
Oslo
01.06 – 15.06.2013

CRACK FAMILY
Rommen Scene
23.05 – 03.06.2013

EL PARCHE ARTIST RESIDENCY
W17/ Kunstnernes Hus
Wergelandsveien 17,
0167 Oslo
15.02 – 30.06.2013

Conversatorio Andamios y columnas, con Andrea Acosta, Camilo Bojacá y Erika Martínez Cuervo.

El próximo jueves 21 de marzo a las 5:00 pm, en LA galería - arte contemporáneo, tendremos el placer de conversar junto a Andrea Acosta, Camilo Bojacá y Erika Martínez Cuervo sobre la exposición Andamios y columnas.

Ese día, además, ¡estaremos rifando un andamio de Camilo Bojacá!

Hora: 5:00 pm
Lugar: LA galería Cll. 77 No. 12 - 03 Tel: (57 1) 4673348

ENTRADA LIBRE

Nos acompañarán:

Andrea Acosta
Camilo Bojacá
Erika Martínez Cuervo.

¡Los esperamos!

Maqueta Matrioshka-Germania Diciembre de 2012.

TRAS LAS HUELLAS DEL MITO GERMANIA

Un proyecto de Elfi Müller y Edgar Guzmanruiz

Tras las huellas del mito Germania es un proyecto artístico sobre “palimpsestos” urbanos en el distrito gubernamental de la ciudad de Berlín. Se trata de la “Capital del mundo”, la ciudad planeada y nunca construida por el arquitecto de Hitler (Albert Speer), que refleja la ideología destructiva y la relación entre poder y arquitectura del nacionalsocialismo.

El proyecto consta de dos partes: una material basada en un Modelo-Matrioshka Germania, y una performática compuesta por Días de Proyecto.

El modelo hace visible la "superposición" de las construcciones proyectadas para Germania sobre los edificios del distrito gubernamental actual.

La base de los Días de Proyecto son "Guías de arquitectura" de carácter performático en las que se busca que mediante palabras e imágenes, los principales "edificios" de Germania se puedan experimentar. Las guías son acompañadas por Experienciaciones espaciales, elaboración de mapas cognitivos y una mesa redonda sobre el tema.

A partir de la arquitectura presente se logra percibir una arquitectura ausente:

Es Germania mito o realidad?

Instalación y Performance

Lugar: Akademie der Künste, Pariser Platz 4, Berlín, Alemania

Fecha: Septiembre 7 a Octubre 6 de 2013

Auf den Spuren des Mythos Germania

Ein Projekt von Elfi Müller und Edgar Guzmanruiz

Auf den Spuren des Mythos Germania ist ein Kunstprojekt über urbane „Überlagerungen“ im Berliner Regierungsviertel. Es setzt sich mit der geplanten „Welthauptstadt Germania“ von Albert Speer auseinander, insbesondere ihrer zerstörerischen Ideologie und der Machtposition ihrer Architektur.

Das Projekt besteht aus zwei Teilen: Einer materiellen Umsetzung anhand eines „Matrioshka-Modells“, sowie mehrerer Projekttage mit performativem Charakter.

Das Modell visualisiert die "Überlagerung" der geplanten Baukörper für Germania über dem heutigen Regierungsviertel.

Grundlage der Projekttage sind performative „Architekturführungen“, in denen durch Wort und Bild die wichtigsten „Gebäude“ Germanias erfühlt werden. Die Führungen werden von Raumerfahrungen, der Erarbeitung von kognitiven Karten und einer Gesprächsrunde begleitet.

Aus einer anwesenden wird eine abwesende Architektur erfahrbar gemacht:

Ist Germania Mythos oder Realität?

Installation und Performance

Ort: Akademie der Künste, Pariser Platz 4, Berlin, Deutschland

Datum: 7. September - 6. Oktober 2013